風景畫草圖

『壹』 康斯泰勃風景畫的繪畫特點

19世紀英國最偉大的風景畫家。開始在皇家美術學院學畫，後認為臨摹古典風景畫不如向大自然學習。長期在家鄉研究農村景色，畫了許多素描、油畫習作，然後進行創作。作品真實生動地表現瞬息萬變的大自然景色，與學院派虛構呆板成了對照。其畫風對後來法國風景畫的革新和浪漫主義的繪畫有很大啟發作用。作品有《乾草車》、《跳馬》等。
那時的英國，絕大多數畫家仍以畫人物為主。少數時髦的風景畫家投機取巧地搞一套繪制布景式的「風景畫法」。康斯泰勃對於這種虛假的程式化的繪畫十分反感。他說「當今畫壇最大的弊病在於那種華而不實的自我表現，亦即企圖超越真實。」在他看，他應該畫的就是眼睛所看見的自然的真實，這是最美麗不過的。一次，有人指責他風景畫中的近景應該畫成舊提琴一樣的色彩，康斯泰勃聽罷，生氣地拿起一把小提琴，放在那人所站的綠綠的草地與舊程式中的提琴一般的曖褐色是多麼的不同！
康斯泰勃是一個磨坊主的兒子，曾在倫敦美術學院學習，但他的成功之路卻極其漫長，歷經艱辛。38歲以前，只有朋友們買他的畫，當時的美術評論家，貴族觀眾都抵制他的畫，以至於在他生前，英國人在他當選為皇家美術學院院士之後仍然粗暴地批評他。可是康斯泰勃的偽作品在法國受到了熱情的歡迎，法國浪漫派先驅露里柯大力推崇他的藝術，甚至影響了後來的印象派畫家。
康斯太勃爾與透納(Joseph Mallord William Turner，1775—1851年)並稱為最偉大、最具影響力的英國風景畫家。康斯太勃爾的藝術，雖然花了相當長的一段時間才臻至成熟，卻極具獨創性，為19世紀「後印象派」畫家們開拓了各種可能性的實驗之路。

從一開始，康斯太勃爾致力於風景畫的創作方法，就包含了幾種極為獨特的要素。當然他的作畫方式是以學院派慣用的標准為基礎：正式在畫布上作畫前，先完成整體素描的准備習作，再進一步為各個細部作許多寫生。寫生主要在夏季的幾個月，這段期間康斯太勃爾會到戶外進行素描寫生。到了冬季，他就以這些素描為基礎，在畫室完成油畫作品，並准備於翌年的皇家藝術院展中展出。康斯太勃爾專心致志地完成這些准備工作，當後來要繪制「六英尺長」作品時，更多了一個准備階段：他運用調色刀(pallet knife)描繪草圖，然後才完成大型的油畫。

擷取故鄉自然之美

不過，康斯太勃爾所畫的風景畫仍與學院派有所區別。當時大部分的風景畫，都是描繪大家所偏好的名勝美景。風景畫家們只前往能提供優美風景題材的地區，不外乎是能眺望青山、瀑布或遼闊大地之處。1821年，他寫給友人約翰·費雪(J0hn Fisher)的信中曾如此表明：「水車輪板滑落的水聲、垂柳、崩塌的古堤、沾滿污泥的木樁、紅磚壁，我只喜歡這樣的事物……我只擅長描繪我所熟悉的地方，繪畫不過就是表達情感的另一種語言。我的青年時代全在史都河岸邊愉快的度過，這里的一草一木，促成我成為畫家……我提起畫筆之前，就想將它們畫下來。」

史都河並非是當時的畫家及美術愛好者所喜愛的地方，康斯太勃爾卻執意將自己繪畫題材限定於此。值得注意的是，他所描繪的景緻，從現代都市人的眼光來看，處處充滿著回歸田園夢想的魅力。不過，對當時的人們而言，卻不見得有吸引力。因為他的畫多半是對農民勞動的印象，或是集中於磨坊、水閘、人來人往的運河等情景，連對馬匹的描繪，都是負荷著重物、步履蹣跚的模樣，而不是貴族所豢養的純種馬匹，賓士於田園風景中所扮演的浪漫優雅的角色。

記錄大氣與光影的變化

與前輩畫家們不同，康斯太勃爾極想在自己的畫作中，細膩地描繪出日光與大氣層的狀況。他曾在自己作品集《英國風景》一書的序文中表明，他經常以此為標志，「記下陽光的光與影給風景帶來任何影響的跡象，不僅要畫下那模糊不清的景象……還要記錄那一天、那一刻的陽光與光影……從飛逝的時光中擷取剎那間的一刻，再將剎那間的一刻化為永恆的實體」。令人驚訝的是，他這種創造「剎那間」的意圖，竟與50年後印象派的畫家們所聲言的繪畫目標不謀而合。康斯太勃爾和這些畫家一樣，並非以特定的地點，而是以一天中某一特定的時刻來區別自己眾多的畫作。譬如，《乾草車》最初是以《風景：正午》(Landscape：Noon)為題在皇家藝術院展中展出。

但康斯太勃爾與這些「後印象派」畫家們最大的不同點在於，他畫中經常出現的天氣狀況，只是傳達各種心情的表現。這種情形，在他晚年的油畫中特別明顯。由於康斯太勃爾的厭世想法越來越強烈，因而創作出一批蒼涼灰暗的風景畫。「連微弱的陽光也看不見，從我身邊全然被剝奪」，他對友人這么說，「所以我描繪不止的暴風雨，又有何不可思議的呢！」

將情緒融入風景

在康斯太勃爾畫作中出現的一些情緒性的表現，或許與他自然主義的創作初衷是對立的。可是，他想在畫中描繪光與大氣，卻早已銘記於心。所以他在19世紀20年代初期就開始仔細觀察，不斷創作出有關於「雲」的習作。與康斯太勃爾同時代的人們，都對他充分實現寫實主義(realism)風格的成功表示認同。畫家友人亨利·富斯里就曾開玩笑說：「我喜歡康斯太勃爾的風景畫，色彩優美，光線總顯現在最恰當之處，正因如此，常令我想瑟縮於外套與傘下。」可是，有些資助他的人卻有不同的感受。索爾斯堡主教請康斯太勃爾為他所任職的教堂畫一幅畫時，康斯太勃爾畫出在地平線上籠罩著烏雲的背景。主教雖不滿意，卻很委婉地向他暗示，自己比較喜歡清澄的天空。於是雙方取得妥協，康斯太勃爾最後將教堂的背景改成積層雲，只保留了快要下雨時的景象。

以大膽色彩表現光的反射

康斯太勃爾為了表現大自然的景色，運用白色顏料以極輕巧的筆觸，畫出陽光在潮濕幽深的森林中搖曳的反射光影。有時他會進一步在綠色的部分添上補色或鮮明的紅色，讓整體的色調更豐富明亮。

可他在畫中運用這種技法，卻招致眾多評論家的憤怒，他們都將達種白斑點譏諷為「雪片」。更有甚者，有些人批評他的畫就是因為這些白斑點，好像永遠都未能完成，對於一幅在展覽會中展出的作品而言，簡直就是莫大的缺陷。一位評論者將這樣的效果比喻為「房舍蓋好後還殘存著的腳架」。他還進一步地說：「康斯太勃爾的風景畫很刻意近似自然，加上這幾筆就更加像了。為了隱藏人為痕跡所做的努力，看來沒什麼差別。」

盡管如此，也是因為這些革新的技法，康斯太勃爾的畫作在法國展出時才會如此備受矚目與贊賞，也才能對後來幾代藝術家們產生深遠的影響。

『貳』 我想學畫風景畫,應該學什麼必須先學素描嗎

素描是當代學習美術的基本課程 素描石膏 素描靜物 是讓人熟練掌握物體外形跡伏和明暗度的基礎 而你想學習風景畫 首先你得具備 可以畫好素描的前提 也不一定所有畫風景畫的大師都能畫好素描 但是所有的風景畫大師都會畫素描 這都是我個人的觀點和意見啊 如果你是個入門級的 又超級不喜歡畝和素描 那麼我的提議是 臨摹 多買書 多畫 多臨摹 臨摹的多了 你就可以姿耐攜去寫生 當你腦子裡面的風景多了的時候 就算把你關在小屋裡 你也可以畫出一幅好的風景畫了
從小學習畫畫的我 雖然畫的不怎麼樣 不過我的繪畫經歷就是先從素描接觸的畫畫 兒時的 小人兒 作業本子上的 飲料瓶等等 都是素描的一部分 有的被稱謂速寫 就是沒有重色調子 多以簡單線條為主 所以繪畫的基礎還是要掌握的 至於掌握到什麼程度 那就看你自身的理解了

『叄』 齊康的《草圖建築》如何

齊康的《草圖建築》對於不同的人有不同的看法，所以不能一概而論。內
建築草圖是建容築設計構思的一種直觀表現，徒手畫草圖可以培養我們敏捷的思維、快速的表達。草圖也是建築師一種交流的語言。 《草圖建築》收集了齊康教授78個作品中的一些建築設計草圖，從一個側面反映了建築創作的構思過程，可供建築學、城市規劃、風景園林、環境藝術設計等專業學生及從業人員學習參考。
http://ke..com/link?url=--ooWtMVX1D7RY8RY1B_0UDAkTWOgq15Mea

『肆』 如何快速提高繪畫草圖能力

有什麼方抄法能提高嗎？補充：襲多練習的話我應該找哪方面的來練習呢？素描？動漫？風景？實物？滿意答案桀塵不羈4級2010-05-26畫結構素描吧，平時要多練，畫草圖的能力是練形的能力，形好了那你就能夠得心應手了。 追問： 暈我點錯了,怎麼弄成滿意答案呢? _釋然"范er 的感言： 你說到我心裡去了 2010-05-26其他回答(4)芬必得4級2010-05-26你試下多練習！多問有經驗的！曾文偉7級2010-05-26多學多練，除此別無他法。.柒da叔 ぃ2級2010-05-26多看點天馬行空的東西。 動謾最好。 追問： 我總覺得動漫和這個好像有點出入？畫這個幫助應該不會太大吧 回答： 設計。 你認為什麼是設計。 自己的愛好自己夢的展示 思維發散出去 把自己心底最真的LOVE 表達出來 想而畫不出來 因為什麼 在我認為不就是思想局限了 或者閱歷少了 動漫不是看看笑笑就完的 它能叫教會你 敢想敢做 。

『伍』 怎麼快速的學會畫素描,和草圖

所謂素描泛指一切廣義上的單色描繪，但往深了講，他就是一門視覺藝術造型藝術甚至可以表達精神層面
就我個人的理解而言，其實素描就是一門功夫，修為以具其天賦、悟性、苦練成正比的，也就是說，你努力了幾分，你的畫在紙上就能表現幾分，你悟了多少，你的畫就能表現多少，而不是世俗的那些條條框框
既然是一門功夫，那你就要明白苦盡甘來的道理，剛開始你覺得不喜歡或什麼有可能是因為其過程的枯燥，但你要明白，如果你真的喜愛視覺藝術的表達，就要苦練基本，入門到進階到通透以後，自然你會發現，隨心隨覺你都可以通過你手中的任何道具（而不只是鉛筆）表達出來

這是我以前對兩位朋友說過的話~希望對你有幫助

第一，買幾本必要的基礎書，包括人體結構 面部結構 靜物描寫 人物速寫這一類的基礎書，拿到這些書以後別先就急著開始臨摹，要先看清楚結構的走向，筆是怎麼靈活運用的，排線的順序和輕重
第二，一般情況下練素描的順序應該是幾何石膏、靜物、骷髏、石膏頭、真人臨摹、真人寫生，都是一步步過渡來的，切忌不要好高務遠，打好基礎是以後畫風穩健的必要因素
第三，剛開始可以在紙的反面用鉛筆仔細的排排線，算是畫前的熱手，排線力求均勻流暢，線的兩端要輕，中間相對兩端重，線與線之間的間距要力求平均且自然
第四，理解好素描的基本五大調，基礎書里會提到，自己好好觀察好好領悟
第五，理解點、線、面這3者之間的關系和在畫面上的質感，理解那些畫家是怎樣利用這3元素來襯托畫面的
第六、好的素描作品總是能找到基本五大調的影子，還有就是黑百灰的運用，灰色又分了淺灰和深灰
第七、最少找個懂畫的人定期幫你看一看，免得走太多彎路，剛開始可以不會上調子，但起碼線要拉直，型要打准，這是作畫最基本最基本的要求
第八，其他的再說多了都是空談，現在開始，拿筆畫吧

排線是為了面而服務的~改變你的觀念~素描不是一條條的線，最基礎是要還原事物的能力，你畫的蘋果~梨你有仔細觀察他們明暗了嗎~他們表面的質感是不一樣的~所以你用筆也不能用一樣的方式（排直線）。你要順著他們結構來，就像我們最早的幾何石膏體一樣~每一種雖然都是直線為主~但排的方式和方向仍然不一樣~要努力去尋找變化~畫出來的東西才能見效果

畫黑~我這里有點小技巧~畫黑不是使勁往上使力就能黑的~那樣黑出來的會發亮而且不透氣`非常死板~你可以先用2B上基調`然後6B或5B加深~最後根據需要用8B或4B修飾和點綴~素描靜物是個循序漸進的過程~要來來回回上4~5層才能看出一些逼真的效果~不是一下搞定的

怎樣擺線條~如果是上調的話~建議先按結構來~然後再融合自己的想法以後慢慢形成自己的風格，這里套用一個老師說過的話，調子你們自己編就行了，自己編

在素描的練習過程中，素描必須著重光線、物體的關系，筆觸的描繪手法，將自己眼睛所觀察到的形體，具體而微的呈現出來。所以，素描需培養自己的觀查力。另外，素描也可以解釋為「存在」與「繪畫」之間一切的努力，亦即所謂「繪畫之描寫力」。例如，描繪桌上的靜物，除了可以發現靜物上不同的色彩外，亦可發現放在桌上的安全感，和背景間的協調性，這些存在的形、色、線條、明暗，質感，量感、存在感、空間、動態……等等復雜的因素，互相交織，構成一個美的秩序。繪畫就是要將那些自然的秩序，導換成美的、入畫的秩序，這也是素描的意義和目的。素描是繪畫的基礎,是最能體現人的繪畫水平的畫種。因此，在學習中要踏踏實實，持之以衡，不可浮躁。

我再把以前總結過的順口訣給你看看，希望能對你有所幫助

素描五大忌 灰花板膩臟
黑白灰上調 灰間找奧妙
重在物對比 其記畫面中
實物固重要 效果是王道
結構要精準 虛實要分清
點線面其道 終為最終效
大關系明確 細節論成敗

『陸』 中國畫用什麼材料勾草圖

著色著色的火候是在用筆墨完成基本造型以後，清代畫家沈宗春曾說："蓋畫以骨幹為主，骨幹只須從筆墨寫出，筆墨有神，則未設色之前，天然有一種應得之色……"。但著色也不可忽視，染的輔助作用很大，染可以把筆和墨沒有連貫的氣勢連貫起來。人物手面通過染而顯現出男女肌膚的顏色，以及年齡的老少，清代沈宗春《芥舟學畫輸分析"人之顏色，由少及老，隨時而易，嬰孩之時，肌嫩理細色澤晶瑩，當略現粉光。…要如花朵初放之色，盛年之際，氣足血旺骨骼隆起，……要有光華發越之象…··若中年以後，氣就衰而欲斂，色顯潤而帶蒼。"至於風景，花草，樹木通過染增加了生氣和濕潤感。中國畫的著色方法很多，但有個大體的原則：第一步要求墨不欺筆；第二步要求色不欺墨。色是筆墨的輔助和豐富，即使工筆重彩，也不要掩去了勾勒的用筆，或者用色超出了墨的深度，致使筆墨處不被淹沒。隨類賦彩賦彩是對照各種不同的對象，著不同的色彩。美術就是通過形狀，色彩、空間三個造型手段來完成的，著色是其中一個手段一為什麼說著色要隨類呢？這里說明了中國畫的一大特點，西洋畫必須根據光的關系，除畫出色彩不同的變化外，還要畫出環境關系的影響色，例如一件白襯衣上受到外光的反射，呈現黃、綠、儲色，就都要畫到，認為這樣才有襯衣的真實感，所以強調的不是物象本身的顏色而是光色的作用。謝赫所提出的"隨類賦彩"是根據物體的固有色彩的類別去描繪就時以了。國畫的顏色，一般要求典雅、·沉著、大方，即使重彩畫，也要使人感到並不火氣。因為國畫大量使用的是單色的礦物色或單色的植物色，用色一般講求渾融調和。在論及原色與間色的關繫上，荊浩《畫說。提出"紅問黃，秋時墜，紅門綠，花簇簇，青間紫，不如死，粉籠黃，勝增光"。請鄒一掛到。山畫譜》'請紫不宜並列，黃白莫可肩隨，大紅大青偶然一二，深綠淺綠正反異形"。都是前人的用色觀念。
中國畫著色可分為三種不同著色的路子；一種路子是匈線，重彩著色，十世紀以前基本是這個路子；另一個路子是用水墨淡彩的辦法，使"墨韻既足，然後敷色"，這就是以大部分墨色濃淡的變化當作顏色使用，達到"墨中有色，色中有羅'的暈化效果，這是十二世紀以後國畫著色的一大變化；近代的畫家為了開拓探索更為廣闊的路子，又逐漸使用戶潑彩和淡彩，重彩並用的青色方法，使中國畫的色彩表現力加強了。
以色貌色前已提到中國畫以固有色為主，來體現國畫色調上的單純、高雅、明朗、潔凈等富有裝飾性的美感。以色貌色是指用顏料把對象的基本色畫得逼真。物體在美術上的反映是靠的形、色、質、空間感這幾個要素，一幅國畫當然要求把形象畫正確，但如果只是形象正確了，色彩畫得不好，就會影響畫的完整性。怎樣才能畫好顏色呢？必須從生活中觀察色彩，同時還要學習傳統上的著色方法，即前人怎樣觀察物體的顏色，又怎樣把它加工整理的。
平染用水調和顏色在碟子里後，不分濃淡的平塗在線紋的框子里，叫做平染。這種方法，不需要用水作深淺的暈染。所以，看來比較容易掌握，但是要做到徐得又勻又細，特別是石青．石綠等重彩顏料，也須有～定的練習，才能掌握得好。在平染時，色不能調得過濃，一遍不足時可以再染一遍，但平染時注意不要出現水花。寫意畫很少平染，因為寫意畫著色要一次就帶有用筆濃淡的變化。
碰染碰染法多數應用在工筆熟紙上。方法是手上同時嵌住兩支筆，如畫荷花時，一支筆蘸洋紅，一支筆蘸白粉，到紙上互相碰染，產生好看的顏色，比在色盤中經過調拌的色調鮮明，其意外效果全在於碰，所以色不能調得大幹，才能在色與色相碰時互相滲透而產生暈染效果。人物面部用儲石，而兩頰可用曙紅與儲石相碰染，碰染一般一次完成，如果不足可以碰染兩次。嶺南派畫家全用此法，用工筆畫青銅器也用此法。
"碰染"也叫"承染"，是傳統的老辦法。如畫綠色的花葉，先把花育調和好，一支筆蘸色，另一支筆蘸水，花青色點在葉的暗處，隨時用水筆烘乾，這樣用花青染，水筆烘，越來越淡，畫至亮處，用水接染對，要退暈得天然無痕跡，更不可出現水花及臟各分染碰染是一次完成法，分染是把一道工序分成兩道來完成。方法是把碰染中的色調，按照陰陽向背，分作兩次或數次來完成。
如染人臉傳統的"三白"法，就是分次烘染而成的。其法是額頭、鼻子到下額部分先行塗薄粉一次，再以稻石通染，遇到發亮的地方用淡儲石，如嫌色調不足，干時可再用罩染一次。
如畫生紙的人面必須分染時，為避免生紙遇到含膠的顏色後再畫時容易滯貼，可以先把小面積的口唇用洋紅畫出來，再塗大面積的儲石，以求渾融，清代黃漢源他水畫式》說，"'設色之妙，莫妙手渾朴，丑莫丑於濃沙，應征著色中看不到筆鋒的塗痕
如畫月季花，在用洋紅烘染出陰陽反正後，下次再染白粉；畫青綠山水，山石的根部先染儲石，下一步用石綠畫沒有著色的下部，慢慢退暈到與蕉石互相銜接。染色時，要求染得自然而無痕跡。
罩染國畫家使用單色的礦物色及植物色時，如需進行間色的調配，常常是通過罩染。jfl硃砂罩染胭脂使硃砂更紅；蘭色罩染硃砂，使硃砂變紫；石綠罩染藤黃變成嫩黃，鉛粉罩染胭脂變成粉紅。除去花青配藤黃可產生草綠外，大部分復色預先調和好再畫到紙上並不鮮明，七除了色的關系外，宣紙的性能也有關系。因此，畫家所理想的色調便通過另一途徑來達到，這便是前面所說的罩染，過去稱為籠套。也就是說，我們如要得到一種紫的顏色，可以先用胭脂塗上一層，再籠罩一層花青，便產生了紫色。凡有火氣的顏色，均可罩上淡墨以減火氣。
再以畫花葉為例，在用花青碰染出深淺之後，再用二綠，三綠一層一層地罩染。方法是：按光暗的要求，有花青底的地方，石綠上得談一些，表示發暗，花青淺的地方，石綠畫得厚一些，石綠多的地方，自然顯得亮堂發光。然後再用花青配藤黃而成的綠色，一道道地罩染兩遍，這時花葉就步得鮮潤厚重，煥發出綠色光澤。
色墨混用中國畫顏色調配法，顏色與顏色門的調配，效果並不是太好，這樣的調配法並不是中國畫理想的路子。但是中國畫顏色與墨調配使色相發生了豐富的變化。如石綠加墨，石綠更為深沉，石綠的顏色也不太飄了；朱嫖加墨染出的人臉，不顯粉氣。這里也阿看出"墨即是河'的國畫著色原理。可見色墨適當混用，可使色氣達到不浮不滯，色中有墨，墨中有色。
退暈實際也就是暈染，不過退暈是指由濃色調到淡色調一直到白的畫法，是更為專用的名詞。所有碰染、打底及所謂"吳裝"畫法，都要掌握慢慢退暈的技法，要退得B然而無痕跡，此法對於工筆畫尤其是一門常用的技法。
襯染國畫用的絹或紙．質地都比較細薄，顏色有透射力，常常是正面著色透穿紙背，而紙背著色，也可以反托到紙面上。所以國畫也就利用襯染這一方法，使顏色更為沉著厚重，且原有筆劃不致日用石色而掩蓋
襯染背面的顏色，可以用畫面上的色調，也可以改變為起配合作用的顏色。如紫色的牡丹花頭，前面染過洋紅，背面可襯托以花青色，紫色花頭可用粉襯，也可以用石黃襯。葉子前面是石綠，後面可以襯托草綠，如花青底再用草綠罩染時，可以石綠襯背。如畫白鵝及鴨子，白粉可以施在背面，這樣既可以～點不傷筆意，而且又可不著痕跡。其它如桃花、梅花要使它顏色更鮮明，背面都可以村粉。需要襯托的畫紙畫絹不能太厚，太厚了也就失去襯托的效果。
干染濕染通常勾好墨線後，在紙上烘染淡墨或設色稱為千染，這種干染在匈線幹了以後即可進行。於染的特點可以出現用筆和飛白，雖是染也可以看到行筆的力量。濕染的方法是對畫面全部或所需要濕染的部分普遍噴濕或刷濕以後，冉進行雜色。濕染的效果與干染不問，雖然看不出用筆，但染得勻，染得潤。
哪些地方可以用濕染方法呢？一般用在畫雨景山水上；求其煙雨彌漫的氣氛用濕染法最好。方法是在山水勾被以後，全畫用清水噴濕約十分鍾，使水分稍滲後，用淡墨烘出雨腳，山影、遠山，一次不夠，乘濕再染，這樣煙雨的氣氛就加強了。當然霧景，夜景雲氣也可以濕免一般在畫水的部分，勾出水紋後，也可以進行濕染，以增加水的色調及水的感覺。染法既可以用墨，也可以用花青或草綠色，為了不使水面平板，可以留出一些白色的波光。雲也是留出白紙雲形，要染出動的感覺。
濕染主要適用於生紙，可渲染出濕潤的效果。如果畫雪景留曲時，濕染不容易留出白雪位置，而干染又不潤，這時也可以在水中加膠後再行加染，這樣，既潤而又不致大滲。濕染不適用熟紙，熟紙的染仍需使用碰染法，慢慢退暈著染。至於用大寫意的方法畫畫，則不適用於濕染。有的山水畫天和水時，只留下空白就夠了，要看畫面需要，不一定都加染。
積粉水與粉產生碰染，一般稱為積粉，畫花卉常用這種方法。其法是用一支筆蘸粉，一支筆蘸水，沿花瓣的邊緣部位往裡染，一個花瓣一個花瓣的邊緣都把粉積好了，再用顏色筆反方向的由花心往外染，到邊沿上留下白邊，就可以使每片花瓣翹立起來，有凌空之感。
花瓣畫完後，再用濃厚些的粉點出花心，如是黃芯，11I以用粉配合少量藤黃點出，也可先點粉後用藤黃罩一下，厚起的粉點會有凸出的立體感。這里也有一個矛盾，比如說，鉛白能夠點出厚度，但容易反鉛變黑，不宜使用．鋅白不能凸出，蛤粉最好，但價高又易糊筆，拉不動筆尖，應了解各種粉質的性能後，酌情使用。打底國畫的打底，前面已簡單的提到過，主要是為了國畫顏料的使用，不象水彩、油畫顏料那樣經常互為調拌。打底的不法，可以簡單地分作墨打底與色打底。
畫水墨淡彩時，一般都用墨打底，如畫人的面部，在明暗交接處．下頦與頸部的一部分，都用淡墨先打一個底，然後再著赭色。如畫手部，也可把隆起的關節處用淡墨烘出起伏再行著色。一方面可增加手部的厚度、肌肉感．另方面可避免赭石色調的過度單一如果是畫藍色襯衣時，人用墨打底．也可增強農服的質感，另外在畫純勾勒的形式時．亦可不用打底
色打底法。如果畫草坡．先用赭石打底後．罩以草綠．表現單下邊還有些黃土層：再如披金色時也可先用黃色打底，石綠用儲石或草綠打底．都可增加厚度感。另外石膏用花青打底，韓砂用洋紅、殊源打底，工筆花葉正面用石青畫，亦可背後用草綠或石綠襯底。
三礬八染礬能起到固著顏色的作用，又可熟化生紙，如畫一個人的面部，若用重彩染色時，可以先在生宣紙上畫出人的顏面，然後用礬水鋪一次再上重彩，這樣既可保持宣紙的用筆，又可使重彩塗得細勻無水紋。如果色的膠性過小，顏色在紙上浮動時，亦可刷一道輕輕的礬水，顏色也就同結了。
據《唐六如畫譜》記載，畫花鳥要達到三礬八染，效果才能完美，如畫胭脂色的花頭，打上采砂的底色以後，再染胭脂時，色彩容易浮動而與胭脂相混，這時可以染上一道礬水後再畫，就不浮動了。每次著色不必過多，以後每染一、二層，即罩一層礬水，最多時可染八次，故有三礬八染之說。重彩立粉的畫在托婊前，也盯上一道礬水，以免色彩滲化水脫。
礬畫雨、燈、風、雪礬畫法以礬助畫，逐漸為畫家所多用，則當代很多畫家愛用礬水畫雨雪，利用生宣紙，按草圖安排，灑上肌水甩成的雪花或雨點，後再塗墨，則凡有礬點的地方，便成了雪花和雨柱了。
婦女兒童和花衣服，也可用礬水勾勒花紋，然後通染顏色，則花紋很覺自然，又如節日的燈火，焰火、鯉魚的鱗片、掛雪的樹枝，都可用礬水畫出意想不到的效果。
堆金瀝粉堆金瀝粉的方法，不適用於紙絹材料上作畫，因日久容易脫落。但如用淺蛤粉瀝粉後，使用句金之法，仍是可行的，人物服裝及空白處，需用金、銀細箔裝飾者，亦可直接用膠粘貼於畫面。
在中國古代建築彩畫中，常常使用准金瀝粉的技法。其方法是用搗細的黃土七分與豆面三分拌膠成為泥狀，裝入小布包中，用時通過管狀物擠到畫棟上，然後塗以石黃、膠礬水及桐油，借著未乾而有粘性的時候，貼上金箔，慢慢地壓擦一下，使畫面呈現出薄薄的內雕感。這種方法也大量地用於佛寺壁畫，用以描繪服裝、冠帶及佩飾物，可增強喜慶吉祥，富麗堂皇的氣氛，富於民族色彩感。

『柒』 求一副畫

http://www.psjying.pudong-e.sh.cn/schooloffice/meishugongzuoshi/meishu/age/right-g.htm (泉)
《泉》
法國古典主義畫家J.A.D.安格爾的素描畫。安格爾從1820年開始構思，於1856年完成。作者希望將古代維納斯形象更單純化。於1848年完成《阿納底奧曼的維納斯》，意為海水泡沫中誕生的女神。畫中維納斯由小愛神簇擁從泡沫中升起。畫家又幾經醞釀，將小愛神刪去，維納斯由雙手理發改為手捧水罐，負於肩頭，朝下的罐口中，清水如泉水般流淌。畫中少女佇立全裸、赤足，豐滿細潤的肉體，悠閑端莊的面容，在罐中清泉的映襯下更覺其純凈甜美，典雅而恬靜，絕無淫艷做作，顯透出青春的氣息和生命的活力。作品體現了理想自然美的抽象古典主義和精細具體的寫實造型手段的巧妙結合。畫中少女集女性美集於一身，實現了畫家深藏於心底半個世紀追求的審美理想。《泉》原作珍藏於法國盧浮宮，復製品為愛好美術的人們大量流傳與擊節稱賞。
安格爾願意把自己稱為歷史畫家，這是因為自17世紀「法蘭西皇家繪畫雕刻學院」成立以來，傳統的古典主義信徒一直把歷史畫視為最高的等級（第一等級為歷史畫、神話宗教畫；第二等級為風俗畫、肖像畫；第三等級為風景畫、靜物畫），但是，從美術史的角度來看，安格爾最出色的是肖像畫和人體畫，可是如果把他的肖像畫和人體畫再加以比較，就會發現他成就最高的是女人體畫。

安格爾一生中在裸體素描上下過精深的功夫，而且只有當他面對裸體模特兒時，他的現實主義真知灼見才特殊地顯現出來。這位古典主義繪畫的末代風流畫家，吸收文藝復興時期前輩大師的求實的技巧，使自己的素描技巧發揮到爐火純青的境地。安格爾在裸女上所寄予的理想，則是「永恆的美」這一抽象概念。究其實，乃在於尋求以線條、形體、色調相諧和的女性美的表現力。這在他那些描寫土耳其宮女的裸女畫上尤為明顯。晚年，安格爾畫了這一幅《泉》，則進一步反映了畫家對美的一種全新觀念，那就是他深深覺得用精細的造型手段創造一種抽象的古典美典範的必要性。76歲高齡的安格爾，終於在這一幅《泉》上，把他心中長期積聚的抽象出來的古典美與具體的寫實少女的美，找到了完美結合的形式。

他在這幅畫上展示了可以得到人類普遍贊美的美的恬靜、抒情和純潔性。有一位評論家參觀了《泉》後說：「這位少女是畫家衰年藝術的產兒，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她們各自的美於一身，形象更富生氣也更理想化了。」 《泉》大概在義大利佛羅倫薩時就開始醞釀了，那是在1820年的事，為什麼事隔36年後才最終完成此稿呢？這還得從他的學生保羅•巴爾澤和亞歷山大•德戈弗兩人說起。最初在安格爾心中構思的「泉」，是仿效義大利大師們在畫維納斯時的願望，他早在1807年就畫過一些草圖，後來不滿足前人已畫過的「維納斯」樣式，企圖使形象更單純化。有人認為這幅畫最初是由上述兩個學生協助完成的。 安格爾經常在同一主題或構思中進行復制，有時花上幾年甚至幾十年工夫。

1857年，《泉》被迪麥泰爾伯爵收購，成為私人藏畫品。後根據這位伯爵的遺囑，他的家屬於1878年將此畫贈給國家，終於成為巴黎盧浮宮內又一鎮館之寶。

十九世紀,法國作為資產階級民主革命的搖籃,在意識形態上的各種表現,也顯得十分活躍。藝術流派和藝術思潮此起彼伏，和政治風雲變幻相輔相成，構成了上世紀歐洲最亮麗的風景線，也深深地影響了世界。法國古典主義美術由達維特和他的弟子安格爾一起，推向了最後的高峰。

1780年,安格爾(Jean Auguste Dominique Ingres)生於法國南部的蒙托榜（Montauban）,父親是裝飾雕刻師和畫家,母親是皇宮假發師的女兒。

1786年望子成龍的父親送安格爾入教會學校學習。

1791年入圖盧茲學院學習美術。1794年充當樂隊小提琴手。

安格爾少年時看到老師的拉斐爾的摹本，激動得熱淚盈眶，從此他終身崇拜他。

1797年進入新古典主義大師達維特的畫室，成績突出。畢業後本來可以去羅馬學習，但因時局動盪，使他出國的事被拖延了。在等待去羅馬留學其間，1805年創作了《里維耶夫人像》，司法官里維耶一家是他在巴黎結識的。

1806年-1820年安格爾在羅馬學習和創作。

如果說達維特的古典主義是革命的古典主義，安格爾的古典主義就是唯美的 古典主義。和他的老師不同，安格爾不過問政治，一心閉門造車，保守、執拗。常常招至別人的攻擊。以「為藝術而藝術的」姿態堅持保守的學院派古典主義，反對以德拉克羅瓦為首的的浪漫主義藝術。

安格爾的題材並不多，甚至反反復復畫同一題材、使用同一造型等。

1856年象徵「清高絕俗和庄嚴肅穆的美」的最傑出的作品《泉》的誕生，標志著安格爾藝術達到光輝的頂峰。

1863年被故鄉授予金色桂冠。

1867年去世。

安格爾以他精湛的傳統技藝在人物畫著力表現線條的純凈、姿態的優美和皮膚、飾物質感。

同時，安格爾並沒有受到傳統的束縛，具體表現在對客觀現實的尊重，注重色彩的運用和按照美的規律對對象的變形處理。難怪有人會說他身上有浪漫主義的氣息呢！

『捌』 請問園林景觀用手繪效果畫出來用什麼軟體好呢

軟體畫出來畢竟和手繪還是有區別的，園林景觀一般都有草圖大師的哦

『玖』 美術有幾種畫法

美術的畫法大致有：素描、中國畫、油畫、版畫、手繪、指畫、水粉畫、水彩畫、壁畫、漫畫、白描等。

1、素描

一種主要以單色線條和塊面來表現物象的繪畫形式，比較簡單，大多是用2H、2B等鉛筆繪制而成，著重結構和形式。素描是其他藝術的基礎，尤其是水彩，油畫，版畫，雕刻（浮雕），另外對平面設計，也是畫草圖的必要基礎。

2、中國畫

用毛筆、墨以及中國畫顏料，在特製的宣紙或絹素上作畫。十分重視筆墨，運用線條、墨色和輕重彩色，通過鉤皴點染，干濕濃淡並用，來表現客觀物象的形體結構，陰陽向背結合；並運用虛實疏密結合和「留白」等手法來取得巧妙的構圖效果。

3、油畫

一種將植物油與顏料樹脂進行混合，繪制與經過處理的畫布、木板、紙板以及建築牆面的繪畫。能充分發揮線條、形體、色彩、明暗調子以及質感、量感和空間感等因素的綜合表現力。准確、真實地表現特定時空環境中的事物，創造感人的視覺藝術形象。

4、水粉畫

用不透明的粉制顏料加水調和後畫出的圖畫。色彩鮮艷明快，顏料覆蓋力強便於修改。有一定覆蓋能力，干濕變化很大。因此，它的表現力介於油畫和水彩之間。它可以畫出和水彩畫一樣酣暢淋漓的效果，但它沒有水彩畫透明。

5、水彩畫

用水調和透明的粉制顏料作畫的一種繪畫方法，簡稱水彩。一層顏色覆蓋一層顏色會產生奇特的效果，但是顏色覆蓋過多，會顯得骯臟。水彩可用把握多少水的多少來展現酣暢淋漓的效果，色彩渲染性強。特點是顏色透明，通過深色對淺色的疊加來表現對象。

『拾』 手繪校園風景素描步驟 第一步，第二步，第三步，用圖片 好的有賞

先畫好鉛筆稿，草圖，再把大概的房屋國旗操場等畫上去，最後畫上細節。