線描風景圖片

1. photoshop里可不可以把風景圖弄成線描圖 如果可以 怎麼弄

用濾鏡-查找邊緣.試下

2. 怎麼用photoshop把風景圖變為水墨畫

1、打開原圖素材，把背景圖層復制一層。

首先讓「色階」改變畫面的基調，按Ctrl + L 調出色階面板，將設置「白場」的吸管點擊水面的中灰部分，這樣，原本灰濛蒙的畫面就提亮了許多；再將設置「黑場」的吸管點擊瓦面暗部深灰的部分，於是反差大了，畫面隨之明快了起來。接下來，大幅度的減去了色飽和，這之前我摳下了碼頭洗衣的人群，為的是保留這部分的色彩，可以使畫面活躍一些。

2、復制出一個圖層，選菜單「濾鏡」－「風格化」－「查找邊緣」，得到一個線描的圖層，再選菜單「圖像」-「調整」-「去色」，用「色階」加大圖層的對比，設置圖層混合模式為「疊加」，「不透明度」為80%。

3、再復制一個背景圖層，作模糊處理，這里選用的是「方框模糊」模式，半徑設定為23象素；用「濾鏡」中「畫筆描邊」的「噴濺」命令，使圖像顯現出了水墨畫濕筆暈墨在宣紙的效果，這里設定「噴色半徑」為13，「平滑度」為8；設置圖層混合模式為「疊加」，「不透明度」仍為80%。

4、找來一些樹枝，掛在空泛的左上角，讓構圖均衡一些；水面點綴了兩條輕舟，水鄉的味道更濃了。調整畫面的墨色濃談和前後層次這可是一個重要環節，另外，在右下角原本色調濃重的地方飄逸幾縷霧靄，整個畫顯然活泛起來，完成最終效果。

3. 什麼軟體可以把真人圖片或景色圖片變成線稿圖那樣

可以使用Photoshop軟體，方法如下：

1、首先需要在電腦上將Photoshop軟體打開回，然後在Photoshop軟體中打開需要處理答的圖片。

4. 急求！~~~~~~~~~~~誰知道初二上學期美術P6的圖

第一單元 形象直觀的表現與交流語言(欣賞-評述)
計劃課時2課時
備課人:馬海波
前言:不論是普通兒童的繪畫創作,還是著名畫家的繪畫創作,都要運用一定的物質材料和造型藝術表現手段 ,例如線條、形狀和色彩等，來進行表現，這些美術作品的造型要素及其運用方式便成為作者進行藝術表現或與他人進行信息交流的藝術語言。
人類早期的繪畫，特別是東方的傳統繪畫，大多以線來進行造型表現，線條既可以具體地描繪審美對象的生動形象，也可以抽象地表現主觀的審美感受和思想感情。因此，有人把這種藝術表現方法與形式稱為「線描方法」。

第一課時
欣賞與評述：
1、選擇自己喜歡的作品，觀察並說明它們包含著哪些造型要素？是運用什麼方法來表現什麼樣的感受或意圖。
2、在以前的美術學習中，自己學習過哪種美術語言和表現方法。有什麼體會？
欣賞畫家名作：《蒙娜麗莎》、《自畫像》、《宮娥》。
教師講解：
文藝復興以後的西方繪畫，逐漸發展了一種藉助形體、明暗、色彩、透視等要素來綜合造型，以再現可變光線條件下的客觀對象的表現方法，這種忽略清晰輪廓而在背景上凸現物象的表現形式，有人稱它為「圖繪方法」。
達-芬奇典範地運用了他所首創並且十分偏愛的「明暗轉移法」，畫面色調從明到暗徐徐過渡，沒有明顯的分界，而與美麗的五官結構自然融為一體，因而創造出更加符合視覺真實的表現形式。
《宮娥》這幅情節性的室內群像畫描繪了真實的西班牙內宮生活場景和歷史人物。變幻而統一的光線，豐富而又和諧的色彩，是典型的圖繪風格的名作。
倫勃朗非常善於表現集中光線下的人物，他常常讓情所獨鍾的光線滯留在自己歷盡滄桑的臉部，以便更加細膩深刻地揭示人的內心世界。
欣賞名畫家作品：《持太陽傘的女人》、《靜物》、《曼陀林和吉它》。
教師講解：
「印象主義」畫派著力於光彩、色彩變化的探索，色彩成了他們最主要的藝術表現語匯。由於明暗、色彩的變化都以體面結構為基礎，所以「後印象主義」畫家塞尚更熱衷於建構堅實的形體結構。而形體結構的分解與組合，則成了「立體主義」的藝術語言。
莫奈所著力表現的不是他夫人和兒子的個性形象，而好像是某個在陽光照耀和微風吹拂下正在花草叢中漫步的年輕女子，他運用光和色的表現語言塑造出一種給人明快視覺愉悅的光彩形象。
後印象主義畫家塞尚主張按錐、柱、球體來提煉物體的恆定結構，他畫的《靜物》以凝練的筆法和明確的體面，塑造出比實物更堅實的形體。
作為立體主義畫家，畢加索要求打破傳統繪畫的視覺一致性，表現自己頭腦中重新組構而成的物象。畫中的吉它、曼陀林和蘋果被不同的顏色分開甚至拆散，又重新被組織在室內外的混合空間之中。

第二課時
討論與研究：
1、你能不能理解各種不同的藝術表現語言具有各自特殊的表現意圖和表達方式。
2、你自己比較熟悉或喜歡哪種表現方法與形式。
教師講解：
單獨的造型要素只有合乎規律的組合，才能構成有審美價值的藝術形象。例如可以通過色彩的柔和對比來表現女性的清純美感，也可以通過色彩的強烈對比來表現畫家對人物的熱情感受。美術作品作為整體的審美對象，都有著自己整體的有機結構，而且其中蘊含著人類對形式美的規律的認識與運用。
欣賞名家作品：《戴帽子的婦人》、《扎辨子的少婦》、《黃紅藍與黑的構圖》。
為了反對以「逼真」作為評價繪畫標準的傳統觀念，馬蒂斯常使用強烈甚至刺眼的對比色，這種顏色組合帶有濃厚的主觀而自由的傾向，因而被人們稱為野獸主義畫家。
蒙德里安的抽象主義繪畫作品利用垂直線、水平線和紅、黃、藍、黑、白等顏色構成的平衡組合，構成作品整體的平衡性和諧，明確而嚴格的體現出基本要素組合構成的原則。
印象主義畫家雷諾阿的這幅肖像畫並沒有表現外光，只是使用了印象主義的明亮色彩，顏色的對比和過渡非常柔和，使人物形象甚帶有古典意味的清純為亮麗美感。
評論與總結：
1、你是否認為造型要素和造型藝術表現手段是一種藝術表現或交流的語言？
2、你是否初步了解了中外美術作品常用的藝術語言？
3、懂得美術作品的藝術語言對你欣賞美術作品有什麼幫助？
欣賞名家作品：《自由引導人民》、《櫻桃與桃》、《梅花》。
象徵自由、平等、博愛的三色旗位於等腰三角形的頂點，自由女神和人群的頭部處在橫豎黃金分割線的位置，場面宏偉的構圖組織的井然有序。
大小不等的圓開統一而有變化地組織成面面的主體，襯托它們的是好似聖維克多山山峰起伏的襯布褶紋。
畫中梅花的豎枝與橫枝靠近畫面的橫豎黃金分割線，使人在視覺上產生舒適之感。

初二美術第二單元
豐富多彩的現實 多種多樣的表現 (造型-表現)
計劃課時：（4課時）
課型：綜合課
教學方法：講解、行賞、比較、練習相結合
1、教學目的
1、通過本課學習，2、使學生初步了解視覺形象的分類和造型要素的基本知識。
3、通過對美術作品中形的認識和分析，4、提高學生對藝術形的欣賞能力。
5、通過對本課的學習，6、使學生認識美術具有多種表現形式，7、從而8、提高學生對藝術形式美的欣賞能力，9、以及美術學習的興趣與信心。
2、教學重點、難點:
重點：掌握寫實造型、變形造型和抽象造型的區別，並能運用所學知識識別美術作品的不同表現形式。
難點：掌握基本要素的特點，並能運用基本要素分析作品。
3、教具、學具准備4、
教具；自製造型要素掛圖一張，不同表現形式的作品若干幅。
學生：課本、作業 本、軟心鉛筆、尺。
5、教學步驟

第一課時
活動一：欣賞與評述
1、選擇一些作品說明它們真實地再現出哪┚嚀宓母霰鴝韻螅?BR>2、你對這些形象有什麼樣的視覺感受？
一、導入 新課：
我們所生活的現實世界是極其豐富多彩和時時運動變化的，由於藝術來反映現實生活，由於它所選擇的對象不同，採用的媒介不同和表現的方式不同，也就會有多種多樣的表現形式，有的側重於再現客觀的真實形象，有的注重表現主觀世界的意象與感情。但是再現和表現往往共處於同一作品之中，而不能簡單地加以截然劃分。
二、新授內容：
欣賞名家作品：《靜物》、《雛雞圖》、《小雞》。
教師講解：
《靜物》，霍達按照科學而精確的形式結構與透視規律， 藉助細膩豐富的色調轉換，塑造出質感強烈、若可觸摸的逼真靜物形象。課本右下圖是部分靜物的形體結構和透視變形示意圖。
《雛雞圖》，李迪以精工細筆再現有稚嫩生命的小雞，那毛茸茸的身體同樣帶給人真實的觸覺感受。
《小雞》，黃胄的這幅速寫，可以使我們看出畫家是怎樣抓住小雞的結構與動態的。
三、總結評述：
達-芬奇說過：「畫家的心應當像一面鏡子，……如實攝進擺在面前所有物體的形象。」歷史上，許多美術作品都是以真實地再現生活真實為主要目的。而且不只再現客觀對象的外部特徵，還要再現對象的精神、性格、氣質等內在本質特徵，以達到「形神兼備」的程度。
活動二：研究與討論
1、這些繪畫作品形象包含著哪些造型要素和表現手段？
2、每一幅作品著重再現對象的什麼特徵？
一、欣賞：《伊莎貝拉-勃朗像》、《橡樹》。
二、教師講解：
《伊莎貝拉-勃朗像》，魯本斯極其熟練地運用寫實性的油畫色彩，不僅准確地再現出人物的美麗形象，而且捕捉到她生動的神態和表情。
從魯本斯的素描可以看出，畫家非常熟悉地掌握了對象的面部結構和形態特徵。
《橡樹》，希施金以高度寫實的技巧，真實地再現出無比堅實而挺拔的橡樹形象，樹林中好像還彌漫著野花的芳香和枯葉的氣味。
希施金畫的松樹的習作，枝葉疏密有致，光影層次豐富，是細膩觀察研究自然的記錄，也是繪畫創作的基礎。
三、總結評述：
塑造生動、自然的繪畫形象，就要善於觀察和把握表現對象的形象特徵、內在結構、明暗以及色彩關系，包括局部結構、特徵與整體結構、特徵的主次關系，使之達到和諧統一和具有美感。

第二課時
實踐與體驗：
1、嘗試臨摹一幅素描或色彩作品或者它的局部。
2、嘗試進行線描或黑白靜物或者景物的寫生練習。
一、導入 新課：
大千世界的各種物象形體，首先是被我們的眼睛感受到的，對視覺形象進行觀察和研究，會使我們獲得豐富的審美信息和多種知識，提高我們的審美能力、表現能力和創造能力。
二、新授內容：
藝術形：表達思想觀念、富於審美價值。
提問：分別舉出生活中的自然形、人工形和藝術形的物象。
形還可以從不同方面進行分類，如材料上分，有紙材料造型、木材料造型、金屬材料造型、石質材料造型等。
（以問答形式討論欣賞作品，再作總結）
板書：造型要素：
造型要素主要有點、線、面、體塊與空間、光與色、質地等。在藝術造型中，如能很好地利用這些要素，將使作品更具魅力。因此，我們必須認識了解造型要素及其功能。
（結合造型要素范圖講解）
點：最小的視覺單位。包括各種不同形狀的點，能成為注意中心確定結構以及組成體面。我們看到運用點的組織，產生疏密有致的變化，富有節奏感。
線：可看作點運動的痕跡，有方向和運動感，可以表達情感，限定形狀，表現質地和描繪陰影（講解掛圖）
面：由長度和寬度構成的平面形，面的形成有三種方式：線的包圍、分割和表面色、質的變化。面可以分為幾何形和自由形兩大類（講解掛圖）。
體塊與空間：體塊即長度、深度三維空間的佔有形式，或者說是由長度、寬度和深度構成的主體形。空間指物體間的遠近層次關系和包容關系。（如雕塑）具有實在的體積和空間，而繪畫藝術，則是在平面上創造體塊與空間的幻覺。如《長城》一畫，就是在平面上通過平俯視構圖，運用了大-小的透視縮形規律，以及近實遠虛的視覺規律，加上光與色的烘托渲染，畫面氣勢磅礴，使我們增強了民族的自豪感和加深了對祖國的熱愛之情。
光與色：有光才有色，視覺世界是由光顯示出來的。色彩的正確表現能使畫面獲得真實感。不同傾向的色彩還能給予我們不同的視覺和心理感受，引起情緒的變化，如紅色能給人以溫暖、刺激的感受，藍色則可能給人以冷、寧靜的感受。
質地：指物體表面的解覺性或這種質地的視覺表現。
對課本作品進行比較，展開愉快的教學雙邊活動：1、對不同線條形式特點分門別類，進行求同與反差比較：2、針對一幅學生最感興趣的重點作品進行比較深入的思考和分析，體驗藝術的情感，領悟其深層的內涵：3、引導學生在藝術活動中發現問題、質疑問難，探討作品的形式美和藝術特色：4、通過啟發性、可比性欣賞學習活動，讓學生自己在比較欣賞中去形成對線條形式美的新認識，提高審美趣味。印象派畫家梵谷的作品：線條包含著作者對生命強烈的熱愛，充滿火一般的熱情和探索精神。書法家王羲之的作品《蘭亭序》：用筆使轉交遞、點畫映帶、波譎雲詭、變化無窮。創造了書法藝術史上的神品。
三、評價與總結：
我們認識造型的基本要素，是為了更好地表現千變萬化，千姿百態的視覺形象，認識藝術家取自自然之法則，創造出的瑰麗藝術世界。
1、談談自己在臨摹或寫生中把握對象形象的體會和心得。
2、師生共同對作業 和練習的情況進行評論和總結。
四、布置下一課時內容：
我們下節課將進入藝術家創造的藝術世界。

第三課時
一、復習舊知，
二、導入 新課
美術造型的基本要素來之於生活，但不是對生活的復制。「藝術源於生活。但不等不生活。」在從事美術創作時，藝術家會根據特定表現目的的需要，選擇適合自己個性、興趣的美術表現形式。
活動一：欣賞與評述
欣賞名家作品：《嬰兒最初的愛撫》、《麵包》、《少女》、《自畫像》。
1、你能感受到這些作品所表現的不同感情嗎？請加以比較和描述。
2、這些以表現情感為主的作品有沒有再現的性質？二者之中，哪種特點更為突出？
《嬰兒最初的愛撫》，作品以細致的筆法與溫和的色調恰當地表現出細膩的母愛和溫柔的母子親情。
《嬰兒最初的愛撫》，飢餓的孩子要麵包吃的哭聲撕裂著母親痛苦的心，粗獷的筆法勾畫的背景表現出感人肺腑的感情。
《麵包》，以大膽而誇張的筆法刻畫人物恐怖的眼神和絕望的姿勢，表現出小女孩同時也是作者內心的孤獨和恐懼。
《自畫像》，陰冷的色彩和旋轉的筆觸深刻地表現出一個生活遭受困苦，精神備受折磨的畫家的獨特個性。
活動二：研究與討論
1、你能體會和理解這些作品的造型和色彩是怎樣表現情感或情緒嗎？
2、表現主觀情感能否不藉助再現的形式？抽象的作品可以表達什麼樣的情感和心緒？
欣賞名家作品：《大刀門神》、《哭泣的女人》、《發怒的風景》、《查靈歌斯大橋》。
《大刀門神》，紅面的武將手握大刀，配上具有表現和象徵性質的色彩，顯得極為威嚴、紅火，充分表現出鎮宅驅魔的力量。
《哭泣的女人》，畢加索以極度主觀變形的形象，黃與紫、玫瑰與黑等不和諧的色彩對比，鮮明地表現出所要發泄的悲哀心情。
《發怒的風景》，風景變成了發怒的人臉，屬於「國際表現主義」的阿佩爾以熱情的線條和色彩，表現了帶稚氣的瘋狂情緒。
《查靈歌斯大橋》，色彩在野獸派畫家德朗的畫中成了表現情感的主要手段，對色彩結構的重視使其作品具有一種激盪熱情的力量。
三、總結評述
美術再現生活真實和表現主觀情感需要藉助各種藝術形式和表達語言，除去形體結構、明暗結構的把握以外，色彩結構的設計與運用在塑造形象與表達情感、意蘊上有著重要的作用。

第四課時
實踐與體驗：
1、嘗試運用具象或抽象形式和鮮明、強烈的色彩去表現熱情、歡快的情緒。
2、嘗試運用具象或抽象形式和沉靜、和諧的色彩去表現寧靜、平和的氣氛。
一、導入 新課：
美術造型的基本要素來之於生活，但不是對生活的復制。「藝術源於生活。但不等不生活。」在從事美術創作時，藝術家會根據特定表現目的的需要，選擇適合自己個性、興趣的美術表現形式。
二、新授內容
表現形式的分類
就表現形式的明顯特點而言，分成具象造型和抽象造型兩種基本形式。具象造型與抽象造型的區別在於：前者具有客觀的現實形象，而後者中我們則不能看出任何客觀的現實形象（結合教材范圖講解）。
具象造型又可分為寫實造型和變形造型。寫實造型指忠實客觀地描繪事物的真實面目的造型，或者說，在這種造型中，客觀物象基本上按我們日常所見的樣子被反映出來。變形造型則是運用誇張、省略等方法，表現人對事物的主觀認識和情感。盡管變形造型反映的對象與我們日常所見不同，但我們仍可認出它們。變形造型即處於「似與不似之間」的藝術形式，層次十分豐富，既可偏於寫實造型，又可偏於抽象造型。
抽象造型在古代藝術中就已出現，而現代抽象則主要通過抽象的線、形、色的不同組合表達人的主觀情感。
欣賞課本作品：《色彩的構圖》、《綠衣女人》、《黃昏》。
教師講解；
《色彩的構圖》，在兼有理性和感性劃分的條塊中，布滿由淡紫到淡黃的高明度柔和色彩，蒙德里安用其表現一種平衡而有變化的和諧。
《綠衣女人》，表現主義畫家注重色彩的靈性，馬凱的畫中那純凈的色彩閃爍著柔光，顯示出一種超然平和的氣氛，帶給人們一種賞心悅目的心情。
《黃昏》濃雲的陰影罩住了大地，陽光在遠處輝閃，一種戲劇性的色彩使畫面充滿原始藝術似的奇妙感染力。
三、評價與總結
1、談談自己嘗試通過繪畫作業 表現某種情感或心境的體會和心得。
2、師生共同對作業 和實踐過程進行評論和總結。
初二美術教案

第三單元讓人們的生活更美好(設計-應用)

計劃課時(2課時)
教學目標 ：
（1）情感：通過對常見生活用品的欣賞評述活動，提高學生的審美能力，增
強對生活的熱愛之情。
（2）知識：學會從不同的審美角度欣賞、分析、評述生活用品的設計，掌握
實用和美觀有機結合的設計原則。
（3）能力：能自覺地以藝術的眼光觀察和分析常見的生活用品，並用恰當的
語言進行評述。
教具准備：多媒體課件，生活用品實物數件。
課堂教學：

第一課時
一、游戲導入
課件展示幾組質地不同（不銹鋼、塑料、再生紙、陶瓷），造型不一的餐具。游戲規則：同學都是采購員，根據特定的對象，選擇合適的餐具並說出理由。二、欣賞評述
（課件展示幾組生活用品，引導學生欣賞，師生共同分析）
1.果盤：枝條交纏，雞冠花紋，構圖大方簡潔，紅、藍、白三色搭配古樸典雅，放置水果時，與水果的鮮艷色彩形成鮮明的對比。枝、葉、花、果實在內容上形成一種統一的美感，是平面和立體的結合。
2.坐椅：
A.木椅：金字塔的造型給人穩固、安全的感覺，使人可以放心的坐下休息，原始的木紋和色彩繽紛的椅墊形成對比，似乎暗示了現代人與大自然的融合。
B.摺椅：鋁合金的椅架，造型簡潔大方，可以折疊打包，攜帶方便。帆布面料比較耐磨，深藍的色彩又較耐臟，真不失為現代人旅遊的好夥伴。
C.椅子一組：單純的顏色，簡潔的造型，給人舒適的感覺，看到了就忍不住想坐一坐。同時，不用時要盡可能節省空間的問題設計者也為你想到了，看，幾把椅子疊在一起形成的新的立體構成造型，像一座抽象的現代雕塑，不也覺得很美嗎？
三、合作交流
（一）想一想、談一談
1.購買某種生活用品時你應如何進行選擇？
2.生活用品的設計應該遵循什麼原則？
3. 通常可以從哪些方面欣賞、分析、評述一件生活用品？
（課件逐一展示問題，分別請同學發言）
（二）看一看、比一比
手機：（分組訓練，相互講解）
A款：外形方正規整，藍色的屏幕和銀色的機殼形成色彩的差異，喜歡它的人應該是工作嚴謹，一絲不苟的人。
B款：精緻小巧的外形，機蓋上鑲嵌著璀璨的寶石，更顯得高雅尊貴，是很多女士的掌中愛物。
C款：流線外形和金屬質感，傳達出獨特的信息，機蓋合起後呈簡潔的弧形造型，活潑的式樣加上多種富有青春氣息的色彩，深受年輕人的喜愛。拿在手中，置於衣袋，都會使人感到很舒適。(錄音講解，學生對照。)
（三）寫一寫、講一講
設計藝術是為生活創造的藝術,為了使人們生活環境和使用的物品既實用又美觀,需要預先進行設計,尋求最合理的形式,同時又是美觀的,符合生產製作要求的形式.現代設計可以分成建築藝術設計、產品設計、視覺傳達設計和環境藝術設計等幾大領域。設計形式是由其用途決定的，也就是功能決定形式。在日常生活中，大家應該注意分析、認識你所接觸到的器物及環境，提高對設計藝術的認識，也會發現需要改進的設計。
工業產品在現代人的生活中佔有很重要的位置，處處都要接觸到，為人們提供方便。工業產品的功能是首要的，同時又應該符合生產的要求，功能的合理也是構成美的重要條件，應按照美的規律去創造。

第二課時
一、復習上一節課的知識
請學生拿出自己帶來的各種生活用品，根據自己的感受在紙上用幾句話寫出這件生活用品的設計好在哪裡？你對於這件生活用品的設計還有什麼更好的建議嗎？
二、導入 新課
室內環境裝飾的種類是多樣的，除去繪畫之外，還可以用多種材料和不同的技術製作，重要的是要發揮想像力，充分利用材料的特點，形成不同的形式和風格，不僅好看，而且還要有意味。同學們可以嘗試著去做一件。
小組交流。
三、新授內容
1、室內裝飾品的設計與製作。
在一萬年之前，我們的祖先就發明了制陶技術，最初的造型樣式，主要是為了滿足於實際使用的要求，之後便開始了以功能為主要目的，同時又有結合形式美觀的或特定功能的設計，並且越來越豐富。（欣賞教材圖片）
請勇於展示的同學上講台展示自己帶來的生活用品，並談談自己的欣賞感受。
試一試、擺一擺，並嘗試自己進行室內裝飾品的設計與製作。
2、設計產品的鑒別與選擇。從幾把形式結構完全不同椅子，可以看到不同的用途，對椅子的造型樣式起著決定性的作用。
3、欣賞課本上的門把手圖片，激發自己嘗試進行室內裝飾品設計的願望。
在日常生活中，你是否注意過各種門的把手，其中有房門把手、窗戶把手、車門把手、櫃門把手等，造型各不相同，在把握的時候觸覺感受也不盡相同，甚至用力的程度也不一樣。門把手也有功能和形式關系，下面可以試著分析這幾種門把手的特點。
通過我們對這些門把手的研究，我們發現這些門把手具有不同的適用功能和不同的造型材質美感，你能辨別它們各自適合安裝在哪裡嗎？
可以根據自己的需要，選出你最喜歡的把手。
四、課外拓展
課件展示幾組日常生活用品，在學生瀏覽欣賞的過程中提出要求：
1.在平常能針對各種常見生活用品的設計，分析其優缺點，提出改進的建議。
2.在父母、親友購買生活用品時，能運用所學知識，為他們提供合理的建議

美術教案－初二美術上學期教案

5. 彩鉛、線描都是素描嗎素描都包括哪些

素描的復操作定義:使用單一顏色繪畫工具制而在畫面載體上按照一定的繪制原則而有意塑造物體形態的美術活動。速寫是素描的一種變式。素描水平是反映繪畫者空間造型能力的重要指標之一。

一、素描從目的和功能上說;一般可分為創作素描和習作素描兩大類。

二、寫生素描在表現內容上分為靜物、動物、風景、人像及人體素描等。

三、素描從繪畫傳統的角度說，素描又可分為中國寫意傳統的素描和西方寫實傳統的素描兩種。

四、素描從作畫時間概念上說，素描可分為長期素描、速寫、默寫等。

五、 素描從使用工具上分為鉛筆、炭筆、鋼筆、毛筆、水墨、粉筆、紙筆或兩種工具穿插使用的素描。

6. 如何素描夕陽西下風景圖

素描的表現方法有二大類 1:根據物體的結構，著重要線條作畫，叫線描 2:著重用光線明暗表現，叫明暗素描。 1:素描用具： 紙和畫版：畫版要略有斜的堅在你前方,距離要合適要眼睛能夠正好看到整個畫面，而且視線能夠正好看到畫的中心 紙：不光滑，略粗糙，質地堅實的紙張 鉛筆：打輪廓要B或2B鉛筆,鉛筆數越多畫起來越濃，所以暗部用濃鉛（也叫軟鉛），明部也叫淡鉛(也叫硬鉛) 繪亮部可以用H,HB.灰部可以用：HB,B 暗部用：2B，3B，4B。 橡皮：要求：質地柔軟不宜擦傷紙張的那種。 畫得濃的地方可以用橡皮輕輕的吸淡一點。 高光部分用擦，粘的方法提亮畫面，反光部分用橡皮輕按，使其淡化，達到所需效果。 線條畫的不夠准確，不要忙著立即用橡皮擦掉，而應仔細修改，修改好了再用，在把不用的線條擦去。 畫架，畫板： 畫板要求：板面平滑，重量適中。 畫架要求：以穩，結實為選購要求。 使用要求：在使用時畫架傾斜度不易過大，作者應距畫面一臂的距離。 執筆方法：用大拇指和食指把筆握穩，其餘三指在筆下邊，筆尖與畫指要保持一個斜面，只有刻畫精細部位的時候， 才象平時寫字那樣執筆和運筆。 2:明暗 a:分為三個部分：亮面，灰面，暗面 b：怎樣畫好明暗。 a:如果是細畫，可以先用硬度大的畫，然後逐步換硬度大的筆畫，這樣就可以 體系出重疊，層次，深淺。 b:畫線條的時候，線條間的距離大一點，如果每畫一片的時候 ，線條間的距離就會縮小。 C:鉛筆削得越尖越好，畫出來越有明暗感。 3:怎樣排線： a:排線時候，方向一致，一筆一筆的畫，疏密適當 b:要輕起輕收，使線條二頭輕中間重，這樣做的話有利於排線之間的銜接 c:畫物體的時候，一般是先用從物體的輪廓線向中間排線，然後再用斜線整和， 注意：斜線是有方向的，一般是向右邊斜，因為這樣符合人的視線從左到右的習慣 但是在畫象球的時候，他的邊緣線排線的時候是變換方向的 d:排線的方向要適當考慮物體的塊面結構 e:畫暗的部分，要變換排線方向，一層一層加深，不要亂塗 f:畫畫的時候，一般是先畫它的投影面在畫它得暗面：因為投影面比暗面更暗 畫畫一般從最暗的部分畫起，這樣有利於它的造型， g:畫一個物體的是在它的邊緣也要向它的物體的外部空間排線，因為這樣也是有利於突出它的立體感 h:一個物體即分大部的明暗，也在其下面分小部的明暗。這樣一層一層劃分下去。 i:明部和暗部的中間不一定就是灰面，像在正方體中，灰面就是第三個面，而明部過去就是灰面 j:在一個面中有這樣和特點：越靠近邊緣就越暗，越到中間就越亮。 4: a:在畫物體時候要注意去找出這個物體中間的線條，發現線條之間的關系，再用透視的原理去體現出來 b:這樣把一一個物體畫到另一個物體的面上，如果我要把一個人畫到帶有成角透視的正方體的一個面上， 把這個人看做是由一個個方型組成的，因為方型在透視中是很容易通過線條的長短體現出來的 這樣把方型還原成人的各個部分就可以成為一副人畫在上面了。 5: 素描一般指的是一個燈光，如果是幾個燈光，像舞台效果了，其實那樣用描也可以寫出來，但是那樣有失 素描的表現手法，現在的書上講的素描也一般是指那中只有一個燈光的情況，其實對於多個燈光的情況來說 一般是採用顏色的表現手發來表現。 6: 如果我畫的是一副室內裝飾圖，怎麼樣去表現出來，其實我覺得也是一樣的，把房子子里的燈光畫出來 在對裡面的物體一一分析，其實可素描練習畫素描一樣的，只是這里的物體多一些，而且形狀不一， 只要牢牢抓住黑白灰這個概念，就可以把裡面的東西給一一分析出其中的黑白灰，然後就可以畫出物體出來 7:高光點 怎麼理解這個概念，高光點一般是存在與那些玻璃製品的物體之中，因為這些物體反光比較強烈，高光點一般 為白色，但是應該注意的是，這裡面的白色也可以分深淺的， 8:畫一副素描畫是怎麼樣構思的： 首先的畫，觀察物體----》透視分析---》物體的黑白灰分析--》在紙上表現出來 9：能夠畫好一副素描畫，就可以說也能夠畫好其他很多的素描畫（像畫物體的） 10:怎麼樣畫好人體素描 掌握人體的結構---》根據圖象畫出輪廓--》畫出陰暗--》依此類推可以畫出其他的動物 11:學畫畫的步驟： 學透視-》畫簡單的幾何物體--》--》學畫頭部的各個器官--》畫人的頭像-》人的頭和上半身體-》畫整個人--》畫其他人和物 12:畫人技巧 畫人頭部分的大的陰暗，裡面又分了小的陰暗-《這樣細分下去》 13:怎麼樣抓人形： 抓住人的各個器官去畫，把各個器官畫准確，所以說畫人既有一定的相似性，也有一定的不同點 ,祝你成功

7. 工筆畫和水彩畫有什麼區別例如，在繪畫步驟，上色和繪畫工具上有哪些不同

一、工筆畫和水彩畫的畫法上有區別

工筆畫，亦稱「細筆畫」，屬中國畫技法類別的一種，工筆畫與「寫意畫」對稱。工筆畫屬於工整細致一類畫法，如宋代的院體畫，明代仇英的人物畫等。

水彩畫是用水調和透明顏料作畫的一種繪畫方法，簡稱水彩，由於色彩透明，一層顏色覆蓋另一層可以產生特殊的效果，但調和顏色過多或覆蓋過多會使色彩骯臟，水乾燥的快，所以水彩畫不適宜製作大幅作品，適合製作風景等清新明快的小幅畫作。

二、工筆畫和水彩畫的特點上有區別

工筆畫在長期的歷史發展中建立了一套嚴整的技法體系，從而形成這一畫體的獨特風格面貌，其特點歸納如下：

1、以線造型是中國畫技法的特點，也是工筆畫的基礎和骨幹。工筆畫對線的要求是工整、細膩、嚴謹.一般用中鋒筆較多。

2、以固有色為主，一般設色艷麗、沉著、明快、高雅，有統一的色調，具有濃郁的中國民族色彩審美意趣。

水彩畫就其本身而言，具有兩個基本特徵：一是畫面大多具有通透的視覺感覺；二是繪畫過程中水的流動性。由此造成了水彩畫不同於其他畫種的外表風貌和創作技法的區別。顏料的透明性使水彩畫產生一種明澈的表面效果，而水的流動性會生成淋漓酣暢、自然灑脫的意趣。

三、工筆畫和水彩畫的畫紙上有區別

工筆畫用熟宣紙或是熟絹，是生宣紙或生絹經過一定比例的膠礬水刷制而成。其性能是不滲水。熟宣紙當前有不少品種，如清水書畫宣、冰雪宣、書畫箋、蟬翼箋、雲母箋等。以上熟宣紙中有薄有厚，膠礬水有濃有淡。

水彩畫畫紙可以選用冷壓水彩紙，水彩紙的表面顆粒有粗細之分，水彩畫紙張通常是由棉、亞麻(Linen)、碎布(Cotton Rags)或木漿等材料所製成，木漿制紙很便宜，放置過久容易變質、發黃及碎裂，通常做為速寫練習之用。

好的水彩紙應該是由棉、亞麻或碎布所製成，而且紙張本身或樣品目錄均會標示其成分。酸鹼度為中性。並有廠牌的浮水印，是優良品質的保證。

參考文獻：網路-工筆畫

參考文獻：網路-水彩畫

8. 畫風景速寫有什麼要點

風景速寫除了強調在以其客觀對象為論據的寫實性上要求「應物象形」外，就繪畫的表現性而言，無論是表現對象的質地、作者的感受或是反映空間的透視、形體的疏密虛實關系以及技法上「工」也好，「寫」也罷，是凝重粗獷還是活潑靈秀，在線條的提煉表現上，形象的刻畫上和畫面組成協調律上，則同樣強調要「骨法用筆」和「氣韻生動」。
要畫好風景速寫，還要注意多看多畫，多看包括臨摹，從前輩大師的優秀作品中得到啟示，找到一種適合於自己的技法，可以事半功倍。多畫，則是要深入到大自然中進行大量的速寫訓練。不積小流，無以成江河，沒有足量的技能訓練，畫好風景速寫只能是一句空話，只要我們不斷地到大自然中去體驗，多練習，就能畫出優秀的風景速寫作品。

9. 求很多張好看的素描畫！

勤畫.勤摸索.

1。形要准。簡單說來就是要畫的像。
但是為什麼有的人明明沒畫像但結果仍是高分？因為閱卷老師根本不知道你畫的人到底是誰，所以，閱卷老師判斷你畫的像不象的唯一條件就是你畫的人結構正確，是個符合人比例，結構，頭骨，肌肉的人。（只限於真人頭像）
2。要完整。畫面完整是考試素描的關鍵。（不論是不是頭像）
什麼叫畫面完整？就是形完整，你所畫的光影也完整。所謂光影的完整不是說你畫的越黑，塗的越多就是完整了哦，而是說你把握的黑白灰關系正確，就是常說的素描關系正確，畫面才能說是完整。
3。有體積。特別是頭發，（因為很多很畫不好）要是沒有，你就白畫了。
體積表現的是物體的厚度，體積的表現要在理解了結構的基礎上。
頭是個近似的球體，鼻子是個近似的長方體。。。那分解開來，或者你畫石膏像/分面像的時候所練習的，都是為了理解結構和學習表現體積。
二：畫色彩不象素描，很理性，如果把素描比做文化課就是數學，那色彩就是語文或者英語，是需要感覺的。這就是所謂的色彩感覺。
男生的色彩感覺本來沒有女生好，那怎麼弄？？？但是考試色彩不需要那麼多感覺，理解一樣可以讓你考上美院（只要你不考油畫，你上了美院以後就不會很OVER）
對自己有信心。
畫好素描是畫好色彩的基礎，比如：你色彩畫不來襯布，那你素描畫襯布一樣畫不來，至少畫不好吧？
畫不好襯布主要是掌握不了襯布的體積，畫出來是平的，看上去只是襯布上臟了幾條。
那麼你要先畫素描的襯布，分塊面（非常重要，一定要走的一步），如果能畫非常深入的分面素描，深入的去分析它的轉折，各個布折之間的關系，深入分析它的體積，光影，用塊面表現出來（不要畫的圓呼呼的）。如果畫2-3張，再來畫色彩的襯布，那素描的塊面就是畫色彩的襯布的筆觸，這樣即使顏色上不太對，但是體積是出來了的，一看就是很實在的襯布，那就是成功的一步。其實色彩就是筆比鉛筆寬點，你還會畫吧？
2。色彩上的大問題。
不說襯布之類的細節，你畫的色彩有沒有色調？？什麼是色調？色調就是你這副畫籠罩在一種怎樣的顏色里？說白了，考試的畫，色調基本都是你襯布的顏色，每樣物體的暗部都加一點點（少）這種顏色，OK，畫面物體間才有聯系。
色調是分數的基礎，沒有色調，一切都沒有。風景更注重色調，千萬注意。
3。如果是畫風景，就把風景當作靜物來畫。不要把風景寫生看的很難，和靜物寫生一回事，主體物的罐子，就是房子。襯布就是大背景，大山，大水。樹就是蘋果，麵包，一個道理，自己練習體會。
4。很多考生都不注意的，色彩上不光有明度，色相，純度的對比，最重要的冷暖。冷光下，亮部冷，暗部暖，暖光反之。明白？
如果沒有這個，完了。
最後說一點點大的方法，整體觀察，畫畫要整體觀察！
別人眯著眼睛看物體不是近視，而是在比較物與物之間的顏色關系，都是紅色哪個暖一點，哪個偏藍一點。整體觀察致關重要哦~

三：還有就是速寫
最後，速寫要多畫手，腳和頭，很多考生因為覺得手難畫就避開它，那就完了。理解不了結構就臨摹，總之，要想快速的提高速寫，就要除了吃飯睡覺上廁所，三分鍾不停筆，等你的速寫可以用斤來算，而不是用張，那你就可以在考試上拿到高分了。學習速寫的方法

①多臨摹：對優秀作品的臨摹，是初學繪畫者最快捷簡便的學習方法。通過臨摹，一方面可做為訓練造型能力的手段，另一方面更重要的是學習其表現方法，應用在以後的學習中。

②熟生巧：速寫的工具較為簡單，利用速寫本可以隨時隨地記錄生活的每一個側面。只有多畫多練才能提高專業水平。

③勤用腦：學習繪畫是一種艱辛的勞動，畫速寫決不是照抄對象，所以在速寫寫生中應注意多動腦筋，結合優秀示範作品認真對照思索。

④由慢到快：速寫訓練要遵循人們的認識規律，由慢到快，這是速寫訓練中，在時間限制上要遵循的原則。慢，是指以較慢的速度將對象較准確地記錄下來，形體的准確是重要的。但速寫又有一定的時間限制，速度只能在速寫實踐中逐步鍛煉培養。
速寫的主要表現形式

速寫的表現方法很多，現僅就輔導班最普及的兩種方法作一介紹：

①以線為主的速寫

在表現物象的過程中，從結構出發，將物象的形體轉折、變化運動和質感用概括簡煉的線條表現出來。它應具備造型嚴謹，形態自然生動，線條運用得當，整體效果好等特點。它通過線的粗細、虛實變化表達主次關系、空間關系。

②以線為主，線面結合的速寫

以線為主線面結合的速寫表現形式，在寫生中，尤其在課堂較長時間的針對美術高考的訓練中，能較好的發揮速寫的特點，這也是目前速寫訓練中常用的表現手法。通過對部分明暗交界線及暗部、衣紋處調子的補充添加，來表現物體，其特點是層次豐富，表現力強。

線的運用

①線的穿插

表現好線與線之間的穿插和呼應關系，是使畫面富有節奏感的重要因素。同時，線的穿插呼應關系和透視關系對表現物象的空間感、層次感起著重要的作用。不同方向的線的組織穿插，給人前後方向感是不一樣的，它可以直接表現物體的透視方向。但速寫又不同等於線描，如果每一處的刻畫都象線描一樣那麼注意衣紋，線與線之間的穿插呼應又失去了速寫富有節奏、流暢淋漓的韻味。

②線的取捨提煉

速寫訓練中，基本形肯定之後，對於線的處理應注意以下幾點：「衣紋線」應注意忌平行，注意疏密對比，體現結構。「結構線」要准確，貼皮膚處要實一點，線要准。「慣性線」刻畫時不要畫得太多，且不宜畫得太重。

③線的對比

在速寫中，通過對比發現物體形體比例、透視關系的正確與否。而速寫中強調在形體比例、動態、透視等幾方面准確的前提下，利用和強調線的對LL，通常有以下幾種對比手法：

線的曲直對比、線的濃淡對比、

線的虛實對比、線的長短對比、

線的疏密對比、線的粗細對比。

④關於結構

速寫的目的在於培養正確的觀察方法及嚴格的造型能力。寫生者必須具備扎實、熟練的人體解剖知識，這樣在寫生中才能做到游刃有餘，人體的內部結構是沒有變化的，變化的只有隨著人體運動的動態、衣紋等。因此，線的運用與結構有著密不可分的關系，表現方法要為表現結構服務。

慢寫人物畫的基本方法步驟

在慢寫人物畫的訓練中，為了更好地表現人物，我們可以在畫慢寫之前進行一個階段的人物小型頭像寫生，頭像不一定畫得太大，只十公分左右就可以了，另外還應進行手與腳的單獨寫生訓練。因為在速寫中頭與手是非常重要的部分，須重點刻畫。

①整體觀察、熟悉對象

整體觀察對象，掌握對象的形體、比例、運動特徵，從這些基本點著眼來分析研究感受對象表現對象。初步醞釀成熟後，頭腦中應出現畫好之後的大體效果，而這個反應是很快的，我們不妨叫它「成竹在胸」。

②構圖布局 。

根據選擇的角度，把寫生對象安排在畫幅的適當位置。將對象大的比例、動態畫出。

②落幅定形

輕輕落筆，從整體出發，用長直線或長弧線很快確定大的基本形體，抓住大的形體比例關系及透視關系。基本形體抓住之後，進一步檢查畫面是否需進一步調整，可將畫面推遠，從整體檢查形體比例、動態、透視是否准確無誤。寫生中，檢查、調整、修改應貫穿始終，可以說，作畫過程是一個不斷調整不斷修改不斷完善的過程。

④局部肯定

在基本形確定的基礎上，從局部開始塑造形體，一般從頭部畫起，用准確肯定的筆觸開始描繪對象的五官形象，從上到下，將對象的手及身體輪廓、衣紋等做進一步刻畫。這里應注意手、腳的透視方向，頭發部分不要畫得太早。對衣紋部分的處理應注意幾種對比變化，即濃淡、虛實、粗細、曲直、長短、疏密對比。在對頭、肩、手、腳刻畫時應注意其內部結構關系 。  兔 比 2008-07-20 08:09 檢舉
我是素描好色彩不好，排除天性的存在的話，辦法就是要多練，越是自己不擅長的就會越怕畫，畫長時間作業太花時間了，我建議你去畫不加明暗的線條速寫，
每天規定自己畫滿6張以上速寫紙，剛開始找些同學幫你做你的模特，不但要畫准，還要鍛煉速度，要是長期速寫慢時間久了沒有同學願意做你的模特了，
等到你畫人物動態速寫能保持平均15分鍾一張時嘗試告訴模特身體可以做自然的動作，增加你的捕捉動態的難度，等到你能在普通人物動態速寫5分鍾一張時，不用去特意找模特了，誰在你眼前經過你看準了就開始畫，人的姿勢動了你也要記住他沒動之前的姿勢繼續畫，要是沒記住就按他現在的姿勢畫，要是人跑了記不住就沒辦法，換一個目標來畫，
這樣的練習能增大你的練習量和加快繪畫速度還有增強捕捉動態的能力以及活躍了你在繪畫時的思考。

10. 誰有畫畫最基礎的教程（鉛筆畫）最好有圖，我給分

第一章 基礎理論（8學時）

要求和說明：

1、使學生掌握素描基本概念，了解素描的發展狀況，主要表現技法理論，以及相關美術知識 。2、使學生擴大思維觀念，增強美的創造能力和感受能力

第一節 素描的基本概念
一、素描的概念、發展、工具材料
「素描」是樸素描寫的意思。實際上它是與彩色繪畫相對的繪畫的總稱。凡是以木炭條、炭精條、炭筆、鉛筆、毛筆、鋼筆等較為單純的繪畫工具及單一的顏色在紙面上所作的圖畫，皆稱為素描。有人將中國畫的白描，水墨畫及西洋畫中的鋼筆畫、銅板畫，石版畫等統歸於素描范疇之內。概而言之，從繪畫表現形式而論，素描是一種單色畫，在這種表現形式中，通過形體結構、比例、位置、運動、線條、明暗調子等造型因素的運用來表現對象的繪畫，都屬於素描的范疇。

世界上最早對於素描的概念、素描與繪畫的關系，以及造型的起源做出分析並見諸文字記載首先出現在中國。遠在三千多年前中國最古老的典籍里便有了繪畫及素描的記載．如《尚書》的《虞書》「益稷」篇記有帝舜曾向帝禹說；「予欲觀古人之象日、月、星、辰、蟲作會。」從宏觀宇宙到微觀的花鳥草蟲這一大幹世界作出領域廣闊的形象模仿，反映著人類對自然認識探求的願望，而繪畫乃是這一認識探求過程中的一種手段。單色繪畫產生於彩繪之前，隨著技術的發展，復雜的彩繪材料才相繼出現和運用，也才有可能帶來美術表現形式與畫種的分工，《周禮》中的《冬官考工記》雲：「設色之工，畫、繢、鍾、筐、慌」，指出了當時繪畫、青銅樂器、工藝裝飾、竹器飾物與帷幔旗幡的製作已分門別類，並進一步指出：「畫繢之事，雜五色。……凡畫繢之事、後素功，」又說：「繪畫之事後素功。」謂以粉地為質而後施五彩。《論語》亦有「繪事後素、素以為絢」之謂(見《八佾》篇)。繪畫在古代包括了兩個內容：畫，指單色素描的范圍，繢，會都作繪解，繢來源於絲織物上施彩，系指施五彩而成絹繪。《尚書》《孔安國》：「繪，五彩也，以五彩成此畫焉。」而「畫」則有別於「繪」的概念，可作素描或簡略的輪廓、草圖、底稿(粉本)解而有別於彩繪。

由這些典籍里我們可以明白地理解到春秋戰國前，中國繪畫已經區別彩色與單色兩種形式，而且進一步指出了彩繪與素描畫的關系。「繪事後素、素以為絢」即彩繪是在素地、包括極簡略的輪廓草圖上進行，這實在是最早的「素描基礎論」雛型。而「素描基礎論」的概念在歐洲出現，卻相對遲去了二千五百年，十五世紀義大利大畫家列奧那多，達·芬奇著有繪畫與素描基礎關系的論述。第一個將繪畫從手工業勞動地位提高到創作地位的德國大畫家丟勒，在他理論著作中也闡述了素描造型的基礎規律，他們是歐洲首先出版其自己畫論著作的畫家。

在歐洲，素描這個詞語來自法文dessin和dessein(設計)。法國美術評論家阿爾曼·德魯安將繪畫與素描作比較，認為素描一詞有無限縮小之意，即既包括畫家作品也包括畫家內心的創作意圖。創作意圖由於受到分析與邏輯的支配，因此，分析的理性思維可以被認為是素描造型觀念的特徵。

素描是造型的基本功；具體說是培養造型能力的基礎。造型，包括造型的觀念意識，造型的美學原則，造型的諸種形式要素的運用和眾多的表現手法，構成了繪畫藝術語言的基礎。因此，造型可說是繪畫之本質。素描乃是研究形體以積累造型知識的一種手段。也就是說，造型中諸如筆法、結構、明暗、色調、體積、空間等，形式因素以及造型的基本法則，畫家在實踐中可以感覺到任何形式的繪畫只要動筆造型即無時無刻不包涵著素描問題，因而在繪畫創作中已形成這樣一種認識：除去色彩，畫面全部造型因素都屬於素描研究的范疇。

印象主義以前的油畫，特別是在古典主義與現實主義的繪畫創作中，素描具有支配性的作用。文藝復興期的大師創作，在據有大量素描稿和豐富的形象資料基礎上進行，在西歐油畫發展的一個長時期內畫家室內創作中不僅人物形象、動態、衣紋細節、道具，甚至背景環境都作了詳細無遺的素描稿，因而形成著一個按素描指定的部位去進行色彩塑造的程序。法國畫家安格爾是歐洲明確將素描對繪畫關系重要性提出了高度認識的第一人。他指出：「素描，是藝術的法則。」並認為素描是除去色彩之外包括一切的支配因素，「除了色彩，素描包羅萬象」。這樣，素描這一在詞義上具有縮小的概念而在造型作用中卻具有十分擴大的重要地位。歐洲繪畫發展中產生過許多不同流派和不同主張的畫家，不論其見解如何，對素描作為造型基本功這一傳統的共同認識，都從未抱懷疑態度，他們對素描概念的解釋也是近乎一致的。為此，對於素描概念的解釋，我們可以得出以下認識：

素描與彩繪相對而言，藉助於單色線條或塊面來塑造形象，是對客觀物象的形態和結構特徵作樸素表現的繪畫形式。

素描本身包含著繪畫造型所具備的基本規律，因而是造型能力的基本功，用以鍛煉觀察和表現物象的形體、動態、結構特徵和明暗關系去顯示物象立體特性，藉助於素描訓練來掌握造型的基本法則，是造就畫家專業技巧的重要內容。

素描作為一種輔助手段為創作服務，這種手段是藉助於草圖，正稿和粉本(中國畫)以及資料性習作的形式去實現創作意圖的。

素描又是獨立的藝術形態，獨立的畫種。高水平的素描作品本身具有獨立的藝術審美價值，而以素描形式進行的創作如肖像、各種題材的寫生、主題性的獨幅素描，文學插圖、組畫等等是繪畫創作的一種形式。

在藝術分類中作廣義引伸有時將版畫中的銅版畫、石版畫，水墨畫和一切線描藝術，一切單色繪畫均以黑白畫為特徵納人素描范疇。另一種分類則認為須具備第一手製作價值的黑白畫原作才能納入素描范疇。其理由是手工原作更直接體現畫家觀念意圖和設計匠心，保留著素描樸素的形態，因而排除了銅版畫、石版畫與其他非手工特點的畫種。

從某種意義上去理解，素描則泛指造型的法則和結構規律。

衡量一幅素描作品的價值觀念不在於它表現了什麼(題材、內容)，或用什麼方式去表現(創作、習作，具象或抽象等等)，而在於有無藝術的審美意趣與深度，在於它是否成為藝術的作品，是否成為真與美的統一體。作為一個具有時代代表性的畫家作品來說，衡量其作品的價值則在於它是否表現出一種新的造型觀念。

綜上所述，這才是素描概念的全部涵義。

世界素描的產生、演變和發展，就總體而論是隨著美術史的系統脈絡而演進的。各個時期中各國都曾擁現出眾多的畫家，無論是屬於什麼派別，他們均以承先啟後，不斷探索的精神為世界素描的發展作出了卓越的貢獻。

史前藝術，一般指大約公元前五萬年至五千年之間的遠古藝術而言，在五萬年至一萬五千年前的晚期舊石器時代人類進入母系社會，結合著原始巫術信仰以自然現象、動物、植物作圖騰崇拜、而開始了造型藝術的創造。這一創造均以樸素形式進行，無論骨刻、石刻裝飾紋樣、原始洞窟壁畫或陶器紋樣和石板畫，即用有限顏色皆屬素描范疇。古代繪畫與素描亦無明顯的概念差別。

遠古造型之始企圖以現實形象去表現一種超現實的意念，其目的是藉助形象傳達某種極神秘的觀念，寄託著對自然的認識，其內容包括與巫術和圖騰崇拜有關的祭禮與祭物到狩獵的對象，並且包括與生死這一古老哲學命題有關的內容。其表現也隨著時間的推移不斷演變和發展，這一點可以從西班牙阿塔米拉洞窟壁畫看出，它幾乎包括從幼稚到成熟一個十分完整的過程，從僅用輪廓線和刻線到採用體積轉折的明暗法、線面結合與線色結合畫技，顯示出造型技術從原始向高級階段逐步演變，這一演變極有力地說明了人類在造型意識與手段上不斷求索的心理。史前畫家於動物表現十分敏銳，反復出現的巨大長毛象、野牛、野馬、馴鹿，動勢神情表現生動、線條奔放。各具姿態的動物僅憑記憶默想而能盡形神之妙，對於人類文明史的發展，史前素描具有重要意義與價值，乃是稀世珍品。

遠古洞窟壁畫素描的製作材料古計以羽毛，人發或動物毛裝飾在木棒上當作畫筆使用，亦以石器打磨成尖刀以刻線，史前畫家還發明將蘆葦與植物纖維加工作筆。根據阿塔米拉洞窟壁畫中野牛軀體的畫法分析，系以黃土和紅色血液等合成色彩平塗，方法是用骨管甚至用嘴將動物血噴於輪廓線以內，在血液凝固後再反復噴去以增加不同厚度來表現體積轉折。史前畫家素描工具有木炭、黃色土、紅粉筆、堊筆、炭棒及赭石土等代用品，並將木炭與錳礦石研成粉末滲合於血液中，他們還浸用蛋白和松脂作流體調色劑。遠古畫家還利用小石板進行野外寫生，再將寫生稿作為壁畫製作的參照，因此這種小石板便是最古老的草稿和粉本。由於有了小石板和小型骨刻作稿本，因而壁畫表現形式便從純粹的線描演變為線面、線色結合的技術，並帶來向裝飾風演變的趨向。

古埃及的文化藝術歷史久遠但卻恪守陳規。希臘大哲學家柏拉圖曾指出：埃及藝術兩萬年中未經改變。」古埃及藝術恪守傳統、陳陳相因以不變應萬變的現象亦與其哲學思想有關，人們相信支配萬物是不變的法則和永恆的秩序。因此藝術家創作意圖是根據概念和古法而不是生活經驗，是根據頭腦中固有的章法條律而不是自己的眼睛。因而古埃及藝術思想不是現實主義而是概念現實主義或觀念現實主義，自然的真實被降到次要地位。

古埃及素描傳統的表現技術幾乎和象形文字一樣成為一種規范化公式的產物。素描的雷同手法和定型的造型甚至可以追溯到舊石器時代，如用線描表現輪廓，用默寫想像方式造型，一律的側面頭部畫上正面眼睛，正面身體加上側面的雙腳的「正面律」定型樣式。甚至在人物比例上都有嚴格的數據規范，如人物全身之長由手指到腕關節之長決定等。這是起源於原始繪畫以部分決定整體的比例觀，這種服從於概念的畫法脫離了生活原型卻可以製造出一種概念的形象。在古埃及繪畫里常常可見到喧賓奪主的現象，在以身份尊卑定比例大小的程式里，次要人物往往比主要人物動態神情遠為生動，因為主要人物和帝王將相均受制於偉大的崇高觀念之約束而僵化。相反，次要人物都是凡夫俗子可不受約束，因而富有生活氣息。但在藝術史上也偶有例外，由於國王審美觀和宗教觀念變化而導致藝術觀念的變化。如第十八王朝的伊庫拉脫(阿默霍夫四世)統治時期確定尊太陽神的宗教觀，其教理強調認識世界客觀的真實性，主張萬事萬物依循客觀規律而變化，因此而出現這一時期素描造型的新動勢，作風優雅、手法洗練而寫實。其內容豐富多樣、大凡對神之禮拜、死者的葬儀、貴族之宴樂、歌舞與游戲，農民的耕耘，收獲、牧畜與漁獵、奴隸的勞動，國家之戰爭與信使，大自然的花鳥草蟲、樹木山林等等無不收之於筆底，把人們的生活與大自然的各種現象都反映了出來．盡管在形式上也曾有過「正面律」與色彩單一定型化的局限，然而作為數千年前的藝術來說，那種色彩之單純明快、手法之自由純熟，以及內容之豐富多彩，仍然是令人嘆服的。

古埃及壁畫先用紅色線條勾出輪廓草稿，再用黑色線條修正定型，這是一種普遍的創作方式．其繪畫工具系以草莖切成鑿子形狀以代筆，用其尖端畫細線，以草莖底部畫粗線。到了紀元前五百年左右才轉向使用蘆葦筆作素描勾線，素描勾線則運用阿拉伯樹膠以水調和木炭粉製成的黑色流體作「墨汁」用。古埃及素描除使用少數昂貴的草紙作卷畫用外，大多在石板上完成，大部分石片、石板上畫出的草稿是為壁畫和雕像服務的設計稿，也有少數作插圖用的草圖。

在現今伊拉克一帶的兩河流域(底格里斯河與幼發拉底河)，古希臘人稱之為美索不達米亞，其文化歷史悠久，文明燦爛。美索不達米亞素描與繪畫作品留下不多，從工藝品線刻和殘存的壁畫殘片上可見其當時素描造型已經將線條和明暗法結合起來而成立體效果，善於應用黑白色塊組織形象。從馬里王國遺址發掘出土的壁畫殘片中，人物、神祗和野獸形象准確生動，色彩與造型都極富裝飾趣味，是一種寫實風和裝飾風結合的手法。純粹的素描傑作是公元前三千年製作的拉格斯國王恩的美拉所有的一件銀壺上的線刻，其構思是表現具有幻想色彩的有翼的豐收之神，是神人合一的形象。線條洗煉而流暢，比例准確而且運用了線條粗細變化去表現微妙的質感。同時又受到埃及藝術影響，殘留著某些造型化的趨勢。

古希臘藝術是歐洲藝術的搖籃，也是西方藝術的鼻祖。希臘人和其他國家一樣崇拜自然神也崇拜動物，但自遠古以來他們不篤信崇教，是一個快樂的民族。他們以神人同形的觀點創造了生動的希臘神話。馬克思指出：「希臘神話不僅是希臘藝術的武庫，而且是它的土壤。」在宗教神話中他們關心的與其說是神，不如說更關心人，這點對於理解古希臘藝術包括素描造型十分重要。埃及神造型幾何化，主要是三角形，美索不達米亞神則呈圓形，都是概念的產物。希臘藝術卻利用真實的人物去塑造自然神，絕無埃及那種超凡脫俗的超現實觀念。從繪畫素描的情況看，埃及和希臘相同，其水平發展與雕刻藝術幾乎作同步聯系，然而發展的速度緩慢，希臘卻在公元前七百年的幾何化圖形時期，僅經歷極短歷程便發展至公元前四至五百年左右的古典期的高峰。

對於古希臘繪畫、素描、雕刻作比較分析，可以得出如下結論：摹仿與推理的造型觀是推動古希臘藝術迅速發展達到完美的強大動力。人類造型藝術摹仿自然真實經過極為漫長的旅程，只是到古文明晚期依靠著人文科學與自然科學發展成果的運用，特別藉助直觀寫生的方法去師法自然才使藝術摹仿技巧完善，而推理則是這一完善的標志。推理反映出藝術家對現實自然之不滿，要求去創造高於自然美的藝術美。雖然古希臘藝術家均以現實人物為模特，但並不滿足自然形態，他們按照一定的數據比例進行再創造，以求從理性中獲得完美。由於每個藝術家都有自己不同觀點和傾向，用自己與眾不同的眼睛去看待周圍的生活，因此推理手段各自不同，這樣就產生著不同特點和風格。希臘藝術的演變歷經摹仿、推理、誇張這樣三個階段，同樣在素描上有所反映。

古希臘羅馬初期的素描很重視輪廓線的表現力，形成一種輪廓畫法，因為平塗的色彩需要以線條去組織形體才能起輔助作用，而決定造型能力的主要因素是線的功力，而發展到成熟階段的壁畫出現了線描與色彩分離。甫里尼烏斯指出：「古代繪畫色彩單純，色調無變化，但線條卻十分流暢，因而初期作品有獨特的質朴之美。」以後這種純粹的線描藝術漸漸消失了，於是有著明，暗區別的色彩變化豐富的技法便取而代之，素描作為繪畫最早的單一樣式隨色彩發展便被取代或溶進造型中。初期線描藝術取得很高成就，在介紹羅馬畫家巴拉西阿斯素描技巧時，甫里尼烏斯寫道：「巴拉西阿斯在輪廓的描法上表現力比誰都強，這種技巧是在繪畫領域中精緻微妙的登峰造極之作，可以說，僅僅是象以浮雕般手法使用色調也無疑是偉大創舉……。這種難度高的技術當時只有少數畫家才能掌握，這種技巧正確表現了人物動態的輪廓，使形體輪廓重現，也就是說，重現了藏於背景中的潛在的形體。」

希臘羅馬時代畫家素描樣式很多，有在木板上作素描，有在石板上以棕色、黑色和炭棒畫的素描，還有在羊皮紙上畫的素描，這些作品大都作為壁畫創作稿的依據。當時還以素描形式作建築設計圖和繪制地圖。古希臘羅馬素描經過臨摹和變化流行於中世紀。當時使用的素描工具據記載有銀筆、鐵筆、鋼筆、毛筆與海綿橡皮，還有木炭與類似鉛筆一類的礦物質材料，並以削尖的蘆葦筆畫在紙上和羊皮紙上，線條效果細致。

希臘羅馬素描的發展，從出土眾多的陶器裝飾性陶畫中可以直接了解到。陶畫藝術發展到公元前四百八十年左右便進入高峰期。整體的造型、生動的動態、優美流暢的線條使造型寫實風與裝飾風有機結合、熔於一爐。尤其是和諧的結構與重視人物內心刻畫促進了陶畫人物技巧達到前所未有的高度，堪稱古代素描一絕。高峰期代表作家有：歐德米修斯、歐弗羅尼奧斯、色倫、圖里斯等。

希臘陶畫還反映出希臘美術從開始就一直追求著的明確目的；他們將形式美和歌頌人與自然結合起來。黑繪時期人物背景以剪影形式表現，其最著名的線描畫家埃庫塞基阿斯，他的作品擺脫了平面感而帶來具有空間意味的裝飾風、服飾動態具有運動感。而希臘陶畫素描最重要的變化是紅繪樣式的出現，用黑色釉作背景底色，人物與其他形體運用紅色，這是與黑繪相反的形式，但最大特徵在於造型從黑繪的古老裝飾風走向新的自由化素描寫實風、寫實技巧發展與當時解剖知識的幫助分不開。

造型十分優美的白底陶畫，這便是與現代素描概念十分接近的畫法，從中可以了解到失傳的希臘素描和壁畫風，很象草紙或羊皮紙素描，可以直接看出銀筆畫出的線條變化。

希臘羅馬時代留下一些紀念性的素描作品，其中海爾庫拉涅烏出土的大型單色素描是囤在大理石石板上的作品，以黑赭色線條畫出的這幅作品極為高雅，可說是模仿菲底阿斯的風格，很象巴特農神殿中的命運三女神之衣紋處理，手法自由洗煉，是早期線面結合法素描中一種風格優美華麗的作品。

希臘、羅馬晚期作品已顯示出走下坡路的趨勢，有些素描潦草如同象形文字造型的退化，藝術創作熱情的消失是中世紀藝術觀的結果，由於宗教思想影響，人間現實不再成為藝術歌頌的對象，因而希臘羅馬藝術史上長期燃燒著的火炬在逐漸熄滅。

中世紀素描指公元前五世紀羅馬帝國終結到十五世紀文藝復興開始之間的素描。中世紀由於基督教的宗教道德觀影響和禁慾主義思想，產生對人世現實生活的輕蔑，給藝術和繪畫帶來嚴重影響。與中世紀偉大的建築成就相比，繪畫甚至產生倒退的傾向。

對於素描獨立的形態是否存在於中世紀其看法不一，一種看法認為素描只是從文藝復興開始才上升為藝術地位，中世紀手工藝人沒有可能進入有獨立創作意味的素描領域，只是為宗教宣傳作圖解。另一種則認為文藝復興期以前就已存在素描藝術的早期形態具有獨立價值。依據中世紀素描內容的表現，一部分是模仿古代繪畫或雕塑的習作，一部分是范畫、畫帖、插圖和設計草圖，此外還有一部分素描是畫家為作坊學徒們所畫的風景寫生稿，用以研究自然規律的特性。總之中世紀素描目的不是作為獨立的創作形態存在，因陳相襲缺乏創造性。其中有價值的倒是為了解自然規律所作的單色寫生稿和具有生活第一性資料的草稿與生活意味的插圖，這些畫大部分由鉛筆，或鋼筆製作，具有寫生的形態而與生活相關，真正具有藝術價值的西方素描是為反映現實世界、為研究自然規律畫的寫生畫，這卻是從中世紀完結之後才得以真正發展。

中世紀素描和繪畫是為基督教服務的一種藝術。基督教藝術產生於羅馬帝國末期一直延伸到十七世紀。基督教藝術形象又集中在耶穌上，崇尚精神永生而輕蔑人世是基督教特點。由於宗教思想支配著藝術發展，畫家僅作為從屬宗教信條的工具，因而僵化的宗教觀代替了古希臘羅馬時代生動的崇尚自然的精神，關心自然關心人的思想已不復存在。寫生，尤其人物寫生因嚴格的造型規范便失去意義，古代生動的技巧漸漸失傳。中世紀畫家是從作坊制的工作室中以臨摹師傅傳下的畫帖去學習技術的，從畫帖畫譜中學畫技是一種古老的學習手段。他們在素描造型上表現出一種冷漠的態度，反映著對一切美好事物人物形象神態的剋制態度，有著壓抑情緒，素描造型無論人物風景與動物都又回歸到歐洲早期幾何化圖形的時代，這種畫法主要承襲從拜占廷發展而來的比例說。由於比例具有神聖的概念，決不能更改。數的比例一方面反映著人物造型和科學理念結合的傾向，一方面又受到概念的制約，可以創造出比真人更完美的理想化形象，也可以使這種理想化形象成為千篇一律的模式。由於神學思想制定的數據使中世紀素描人物帶有超凡脫俗的抽象性，當時反映出來的藝術思想是新柏拉圖主義，依理念去創造形體以求完美，但其理念來源於宗教而不是來源於生活，因而導致了僵化。

十三世紀《畫帖》的作者威爾托·奧恩勒庫爾談到「本書是關於用幾何學所規定的素描教學手段的建議，」畫帖中人物、動物、雕像造型都強調以一定幾何形狀去組合變形，帶有純科學研究性質。《畫帖》據說體現了神學家聖托瑪斯·阿其諾的藝術觀「現實事物應該體現在靈魂完善的高度上的一種精神本性」，這本《畫帖》是對理念的追求而不是師法自然，對中世紀繪畫造型有很大影響。

中世紀的線描所顯示的造型觀念很獨特，在古代素描中起著暗示形體真實存在的作用，是一個模擬的技巧，要求反映形的屬性。而在中世紀素描中摹模擬實的意義已不存在而由概念所代替，從拜占廷壁畫可以看到抽象而概念的用線，藝術家並不注意表現人物的真實性，以色、形、線的手段去進行形象的抽象。拜占廷風格影響遍及歐洲，中世紀留存的鋼筆和鉛筆、銀筆畫的素描都只有量感而無質感，強調於形體的平面代裝飾風以及強調輪廓邊線的硬度系來自古代原始的幾何圖形期手法。中世紀素描不講究空間，他們一反古希臘傳統，因為空間是具體的而與現實生活接近，平面化則可以將形象固定在一定的線描程式中，形體的恆定性可以象徵觀念的恆定。這樣，將生動的運動著的形象予以定型化的凝固，運用幾何化的造型手段去組織，這種凝固，去創造一個固定的形象世界。這是出於早期基督教思想的需要；是體現和創造神秘主義氣氛的需要，這便是中世紀藝術排斥希臘羅馬傳統的根本原因。

然而中世紀素描也出現過一些小的變化。如在卡羅林王朝的基爾瑪略大帝時代，因大帝制定了復興效法羅馬帝國時代的政治、法律和科學技術的改革，美術造型觀念便大受影響，手抄本插圖中出現了活躍的動向，人物處理真實而富有質感。風景畫用線奔放概括、十分生動，這種變化集中反映在喬托的作品中。

中世紀後期美術形式感受到古代素描和歐洲原始幾何圖形期風格影響，工匠們以宗教熱情去創造神秘主義色彩的幻想性形象。用復雜的構圖、幾何形裝飾手法去創作神奇變幻的神話幻想世界中各種變形的動物與人物。

向古典主義回歸使十四世紀素描開始擺脫拜占廷幾何化作風，因而具有一定感染力，可以說中世紀封建社會藝術中某些現實主義因素為十五世紀文藝復興的表現技巧提供了基礎。

義大利素描在西方素描發展上是一個具有重大歷史意義的豐碑，對於西方整個美術發展有深遠影響。恩格斯給文藝復興作了高度評價：「這是一個人類前所未有的最偉大的進步的革命，是一個需要而且產生了巨人——在思想能力上、熱情上和性格上、在多才多藝上和學識廣博上的巨人的時代。」正是文藝復興期大師們傑出的貢獻才奠定了素描科學形體法則的基礎，其基本思想與認識方法至今仍被人們視為素描造型中的普遍規律。

文藝復興時代的素描具有劃時代的意義。當時素描僅僅作為繪畫創作主要是宗教壁畫創作的輔助手段而存在。而壁畫與雕刻又是建築的一個從屬部分，因此首先是建築美學思想變化給造型藝術的影響，其次才是由此而帶來造型科學的新課題，諸如對空間、明暗光影、解剖、透視規律與人物性格的認識和研究。而素描則是為解決這些課題所採取的一種研究自然規律的手段。

十五至十六世紀早期文藝復興的建築設計開始變化，出現了重視空間的趨向。因此 確立統一的空間概念便是這一時期建築藝術的重要課題。建築風格整體的統一化成為雕塑、繪畫、素描形式美變化的契機。建築思想向空間統一的發展趨向帶動了繪畫造型觀念變革，中世紀流行的二度平面感的裝飾造型手法不能適應於新的建築思想，而促使畫家們去研究空間造型的學問。空間這一課題帶來了繪畫與素描更加真實的表現力，空間中真實形體的再現主要是人物。新的形勢激發了畫家對於人體的研究和對於自然規律研究的熱情。在研究古希臘羅馬藝術的同時研究了人體解剖與空間透視學，從而使形體呈現於三度幻覺空間之中，素描便成了研究形體規律的手段的基礎。